Βικτωριανό πορτρέτο ζωγραφισμένο στο νοσοκομείο Bethlem από ασθενή για να παρουσιαστεί

 Ο καταξιωμένος καλλιτέχνης Richard Dadd πέρασε 20 χρόνια στο ψυχιατρικό νοσοκομείο που σήμερα είναι το Bethlem Museum of the Mind.

 Ένα πορτρέτο που ζωγράφισε ένας καταξιωμένος βικτωριανός καλλιτέχνης ενώ ήταν μακροχρόνια ψυχιατρικός ασθενής πρόκειται να επιστρέψει στο νοσοκομείο όπου πέρασε 20 χρόνια, το οποίο τώρα φιλοξενεί επίσης ένα μουσείο.

 Ο Richard Dadd στάλθηκε στο νοσοκομείο Bethlem Royal στο νότιο Λονδίνο, από το οποίο προέρχεται ο υποτιμητικός όρος «bedlam» , ως «εγκληματίας παράφρων» αφού μαχαίρωσε τον πατέρα του μέχρι θανάτου το 1843. Αργότερα μεταφέρθηκε στο Broadmoor, όπου παρέμεινε μέχρι θάνατος το 1886.

  Ζωγράφισε το Πορτρέτο ενός νεαρού άνδρα 10 χρόνια μετά την άφιξή του στο Bethlem. Η ταυτότητα του ατόμου είναι άγνωστη, αλλά πιστεύεται ότι είναι είτε συνάδελφος είτε ο γιατρός William Hood, ο γιατρός του νοσοκομείου, ο οποίος ενθάρρυνε τον Dadd να συνεχίσει να ζωγραφίζει. Η καθίστρια είναι ζωγραφισμένη σε έναν φανταστικό κήπο.

  Το έργο έχει δανειστεί από την Tate στο Bethlem Museum of the Mind, όπου θα εκτεθεί μαζί με ένα φωτογραφικό πορτρέτο του 1857 που δείχνει τον Dadd να ζωγραφίζει στο Bethlem. Η έκθεση, The Faces We Present, εγκαινιάζεται τον Φεβρουάριο.

  Στα πρώτα χρόνια της καλλιτεχνικής του ζωής, ο Dadd αναγνωρίστηκε ως ένα από τα μεγάλα ταλέντα της γενιάς του. Σπούδασε στη Βασιλική Ακαδημία και προσέλκυσε πλούσιους θαμώνες. Έγινε γνωστός για τις απεικονίσεις του με νεράιδες και για τη ζωγραφική φανταστικών σκηνών.

  Ένα από τα πιο γνωστά έργα του, το The Fairy Feller's Master-Stroke, ζωγραφισμένο επίσης στο Bethlem και τώρα ανήκει στην Tate, ενέπνευσε τον ροκ σταρ Freddie Mercury να γράψει ένα τραγούδι με το ίδιο όνομα που ηχογράφησε οι Queen το 1974.

  Η ψυχική υγεία του Dadd άρχισε να επιδεινώνεται ενώ περιόδευε στη Μέση Ανατολή το 1842. Υπέφερε από αυταπάτες και λίγο μετά την επιστροφή του στο Κεντ σκότωσε τον πατέρα του, πιστεύοντας ότι ήταν ο διάβολος.

 Οι αυταπάτες του συνεχίστηκαν στο Bethlem, το παλαιότερο ψυχιατρείο του κόσμου, αλλά του έδωσαν υλικά ζωγραφικής και χώρο εργασίας.

  Σύμφωνα με τον Τζόναθαν Τζόουνς , τον κριτικό τέχνης του Guardian, «μακριά από τα βάναυσα μέρη που τον βασάνιζαν, τα βικτωριανά άσυλα έδωσαν στον Dadd μια περίεργη ελευθερία από την εποχή του. Το καθαρό προσωπικό όραμα που εξαπέλυσε η ασθένειά του θα τον κάνει πάντα έναν από τους πιο σαγηνευτικούς Βρετανούς καλλιτέχνες του 19ου αιώνα».

  Το Portrait of a Young Man θα επιστρέψει στο Bethlem για πρώτη φορά μετά από 170 χρόνια για μια έκθεση πορτρέτων και αυτοπροσωπογραφιών ανθρώπων που ζουν με ψυχικά προβλήματα υγείας. Η έκθεση είναι μια συνεργασία μεταξύ του Bethlem Museum of the Mind και του South London και του ιδρύματος Maudsley NHS.

  Ο Colin Gale, διευθυντής του Bethlem Museum of the Mind, δήλωσε: «Κάθε μέρα, τα ανθρώπινα όντα παρουσιάζουν δημόσια πρόσωπα που κρύβουν τα ταραχώδη συναισθήματα που αναδεύονται κάτω από την επιφάνεια.

  «Τα προβλήματα ψυχικής υγείας αντιμετωπίζουν πάρα πολλοί άνθρωποι και σε όλους τους τομείς της κοινωνίας και δεν υπάρχει σκληρή και γρήγορη διάκριση μεταξύ των χρηστών και των παρόχων υπηρεσιών ψυχικής υγείας. Σε ορισμένες περιπτώσεις, κλινικός ιατρός και ασθενής μπορεί να είναι το ίδιο άτομο.

 «Πολλοί από αυτούς των οποίων οι προοπτικές εκπροσωπούνται εδώ είναι, φυσικά, καλλιτέχνες, αλλά είναι επίσης αδέρφια, αδερφές, γονείς, φίλοι και πολλά άλλα. Ο καθένας είναι κάτι περισσότερο από το άθροισμα των διαφορετικών ρόλων του».

 Το The Faces We Present βρίσκεται στο Bethlem Museum of the Mind , 22 Φεβρουαρίου έως 17 Ιουνίου. Η είσοδος είναι ελεύθερη.

Πηγές

The guardian

Η έκθεση «Chance of a lifetime» Vermeer εγκαινιάζεται στο Άμστερνταμ

  

  Για μια φορά, λένε οι επιμελητές του, η «ευκαιρία μιας ζωής»: ποτέ στο παρελθόν δεν είχαν συγκεντρωθεί τόσα πολλά έργα του Johannes Vermeer , του φωτεινού Ολλανδού δασκάλου του 17ου αιώνα.

 Από τους λιγότερους από 40 πίνακες που οι περισσότεροι ειδικοί αποδίδουν στον καλλιτέχνη, το Rijksmuseum στο Άμστερνταμ απέκτησε 28. Ανοίγοντας την επόμενη εβδομάδα, τη πρώτη του αναδρομική έκθεση του Vermeer πούλησε περισσότερα εισιτήρια εκ των προτέρων από οποιαδήποτε έκθεση στην ιστορία του μουσείου.

 «Ο Βερμέερ κάνει τον χρόνο να σταματά», είπε ο Τάκο Ντίμιτς, γενικός διευθυντής του μουσείου Rijks. «Σου δίνει την αίσθηση ότι είσαι εκεί, με αυτό το άτομο, σε εκείνο το δωμάτιο, και ότι ο χρόνος έχει σταματήσει. Και ο χρόνος, ειδικά σήμερα, είναι αυτό που όλοι λαχταρούμε».

  Γεννημένος το 1632, ο Βερμέερ είναι ο πιο αινιγματικός από τους Ολλανδούς δασκάλους. Εκτός από τους καμβάδες του, δεν έχει μείνει τίποτα από αυτόν: ούτε γράμματα, ούτε γραπτά, ούτε ημερολόγιο. Εκπαιδεύτηκε ως καλλιτέχνης, αλλά το έργο του μόλις που αναγνωρίστηκε κατά τη διάρκεια της ζωής του, κυρίως επειδή, σε μια έντονα προτεσταντική χώρα, ασπάστηκε τον καθολικισμό όταν παντρεύτηκε σε ηλικία 21 ετών.

  Μουσεία και ιδιοκτήτες σε επτά χώρες έχουν δανείσει αριστουργήματα για την έκθεση, συμπεριλαμβανομένων σχεδόν όλων των οικείων, ατμοσφαιρικά φωτιζόμενων σκηνών - μια υπηρέτρια που ρίχνει μια κανάτα γάλα, μια κοπέλα που ράβει δαντέλα, μια γυναίκα σε μια παρθενική - για τις οποίες ο Βερμέερ είναι καλύτερα γνωστός.

 Η Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου έστειλε τη Νεαρή Γυναίκα Καθισμένη. Το Λούβρο στο Παρίσι προμήθευσε το The Lacemaker. και η Εθνική Πινακοθήκη στο Δουβλίνο δάνεισε τη Γυναίκα που γράφει ένα γράμμα με την υπηρέτρια της. Άλλα έργα τέχνης έχουν έρθει από το Βερολίνο, τη Νέα Υόρκη και το Τόκιο.

  Μερικοί δεν έχουν ταξιδέψει μακριά, φυσικά: οι τέσσερις Vermeers του Rijksmuseum, συμπεριλαμβανομένου του The Milkmaid, παρουσιάζονται, και ίσως το πιο διάσημο έργο του καλλιτέχνη από όλα, το Girl With a Pearl Earring, βρισκόταν ακριβώς στο δρόμο στο Mauritshuis στη Χάγη.

 Αλλά η μεγάλη ευθραυστότητα των πινάκων, οι περισσότεροι από τους οποίους ολοκληρώθηκαν μεταξύ 1655 και 1670, η αξία τους και το γεγονός ότι έχουν γίνει τα βραβεία πολλών από τα μουσεία που τους φιλοξενούν σημαίνει ότι πολύ σπάνια ταξιδεύουν.

  «Ήταν απίστευτο να το δεις», είπε ο Dibbits. «Πρόκειται για έναν καλλιτέχνη που δημιούργησε 45, ίσως και 50, πίνακες. Γνωρίζουμε 37 από αυτούς, και  συγκεντρώσαμε 28.

  Η αρχική σπίθα για την παράσταση ήρθε, είπε, όταν η ομάδα επιμελητών του Rijksmuseum συνειδητοποίησε ότι η συλλογή Frick, στη Νέα Υόρκη, η οποία δεν επέτρεψε στους τρεις Vermeer της να ταξιδέψουν για περισσότερο από έναν αιώνα, θα έκλεινε το 2023 για ανακαίνιση.

  Χρειάστηκε «πολλή σκληρή δουλειά», αλλά στο τέλος θα λείπουν μόνο εννέα γνωστά έργα του καλλιτέχνη. Το ένα κλάπηκε από ένα μουσείο της Βοστώνης το 1990. Δύο, από το Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης στη Νέα Υόρκη, δεν μπορούν να δανειστούν λόγω των όρων του κληροδοτήματός τους. και άλλος, από το Λούβρο, είναι δανεικός αλλού. Τα περισσότερα από τα υπόλοιπα είναι πολύ αδύναμα για να ταξιδέψουν.

 Η έκθεση δεν θα είναι χωρίς διαμάχες. Στα τέλη του περασμένου έτους, το Rijksmuseum είπε ότι μετά από επίπονη επιστημονική και συγκριτική έρευνα, επιβεβαίωνε την απόδοση στον Βερμέερ τριών έργων των οποίων την αυθεντικότητα ορισμένοι ειδικοί είχαν αμφισβητήσει.

  Το πιο εκπληκτικό ήταν το Girl With a Flute, για το οποίο η Εθνική Πινακοθήκη της Ουάσιγκτον είπε μόλις τον περασμένο Οκτώβριο ότι δεν πίστευε ότι ήταν γνήσιος Vermeer, αλλά πιθανότατα είχε παραχθεί από έναν απροσδιόριστο συνεργάτη.

  Ο Dibbits είπε: «Κοιτάξτε, υπάρχουν διαφορές απόψεων σχετικά με τον Rembrandts, με περισσότερους από 300 πίνακες για σύγκριση. Όταν έχεις τόσα λίγα έργα να συνεχίσεις, μπορείς να βγάλεις διαφορετικά συμπεράσματα από τα ίδια δεδομένα».

  Είπε ότι πρόσφατη εξαντλητική μελέτη είχε δείξει ότι κάτω από τις σχολαστικές λεπτομέρειες των εικόνων του Βερμέερ κρύβονταν ευρεία, δυνατά εγκεφαλικά επεισόδια που έρχονταν σε αντίθεση με τις προηγούμενες αντιλήψεις για το πώς εργαζόταν.

  Η έρευνα αποκάλυψε επίσης τη βαθιά επίδραση των Ιησουιτών στην τέχνη του. Το φως, η οπτική και η εστίαση ήταν ένα επαναλαμβανόμενο θέμα στη λογοτεχνία των Ιησουιτών: η σειρά θεωρούσε, για παράδειγμα, την camera obscura , έναν πρόδρομο της κάμερας που προβάλλει μια εικόνα σε μια επιφάνεια από μια μικρή τρύπα στην απέναντι πλευρά, ως εργαλείο για η παρατήρηση του θείου φωτός.

  Ένα από τα εφέ της κάμερας obscura είναι να εστιάζει το φως σε ένα σημείο, ενώ τα υπόλοιπα θολώνουν και παραμορφώνουν. ακριβώς τα εφέ που βρέθηκαν σε πολλούς από τους ήσυχους, ατμοσφαιρικά φωτισμένους εσωτερικούς χώρους του Vermeer. Αυτό ήταν ξεκάθαρη απόδειξη, είπε ο Dibbits, για μια σύνδεση των Ιησουιτών που «δεν ήταν απλώς θρησκευτική, αλλά καλλιτεχνική».

  Ο Vermeer θα διαρκέσει από τις 10 Φεβρουαρίου έως τις 4 Ιουνίου στο Rijksmuseum, του οποίου η πρωτοποριακή έκθεση σκλαβιάς - η πηγή τόσο του πλούτου που δημιουργήθηκε από την ολλανδική Χρυσή Εποχή - εκτίθεται αυτόν τον μήνα στα κεντρικά γραφεία του ΟΗΕ στη Νέα Υόρκη: έγκαιρη αναγνώριση, ο Dibbits είπε, για «τη συνεχιζόμενη επίδραση της δουλείας στην παγκόσμια ιστορία».

Πηγές

The guardian.com

Ο άλλος Μονέ: ο αδερφός του ιμπρεσιονιστή πρωταγωνιστεί στη νέα έκθεση

Το πορτρέτο του Léon που κρέμεται στην έκθεση, ζωγραφισμένο από τον Claude το 1874, δεν έχει ξαναφανεί ποτέ στο κοινό. Φωτογραφία: Léon Monet

   Μια παράσταση στο Παρίσι θα επικεντρωθεί στον ελάχιστα γνωστό μεγαλύτερο αδερφό του Κλοντ, Λεόν Μονέ και την ιμπρεσιονιστική συλλογή του.

  Το όνομα Μονέ φέρνει στο νου εικόνες από νούφαρα, τον καθεδρικό ναό της Ρουέν, τα κτήρια του Κοινοβουλίου και τις γαλλικές θημωνιές, μερικά από τα πιο γνωστά έργα της ευρωπαϊκής τέχνης.

 Τώρα μια έκθεση στο Παρίσι θα επικεντρωθεί σε έναν άλλο, λιγότερο γνωστό, τον Μονέ: τον Λεόν Μονέ, τον παραμελημένο από καιρό μεγαλύτερο αδερφό του καλλιτέχνη Κλοντ Μονέ που τον στήριξε όταν ήταν φτωχός και πάλευε να κάνει το όνομά του.

 Θα είναι η πρώτη φορά που μια εκδήλωση –η οποία περιλαμβάνει επίσης έργα και σκίτσα του ζωγράφου που είναι γνωστός ως «πατέρας του ιμπρεσιονισμού» που δεν είχαν δει στο παρελθόν– θα επικεντρωθεί στο μεγαλύτερο αδερφάκι.

  Ο Λεόν Μονέ , χημικός και βιομήχανος, αγνοήθηκε σε μεγάλο βαθμό από τους μεταγενέστερους, αλλά ήταν ένας από τους πρώτους προστάτες του ανθισμένου ιμπρεσιονιστικού κινήματος τον 19ο αιώνα. Όχι μόνο υποστήριξε τον αδελφό του, αλλά βοήθησε και τους φίλους του ζωγράφους, συμπεριλαμβανομένων των Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro και Alfred Sisley.

  Η Géraldine Lefebvre, επιμελήτρια της νέας έκθεσης που εγκαινιάζεται τον επόμενο μήνα στο Musée du Luxembourg, είπε ότι πολύ λίγα ήταν γνωστά για αυτόν.

  «Επικοινωνώ με την οικογένεια, τους απογόνους του Μονέ, και πέρασα από δημόσια και ιδιωτικά αρχεία, αλλά υπήρχαν πολύ λίγες πληροφορίες», είπε ο Λεφέβρ. «Είδα το όνομά του εδώ κι εκεί, αλλά όχι πολλά άλλα. Πραγματικά μου κέντρισε την περιέργεια».

  Σκάβοντας βαθύτερα, ο επιμελητής ανακάλυψε ότι ο Léon, όπως και ο αδερφός του, ήταν παθιασμένος με το χρώμα και ήταν βασικό πρόσωπο που βοηθούσε οικονομικά τον Claude αγοράζοντας τους πίνακές του και συστήνοντάς τον στους πλούσιους βιομήχανους που μπορούσαν να τον υποστηρίξουν.

  Ο Léon γεννήθηκε το 1836, τέσσερα χρόνια πριν από τον Claude, τον μεγαλύτερο γιο του Adolphe και της Louise-Justine Monet, και τα δύο αγόρια πέρασαν τα πρώτα τους χρόνια στο Παρίσι προτού η οικογένεια μετακομίσει στη Χάβρη της Νορμανδίας, περίπου το 1845. Σπούδασε ως χημικός και ειδικεύτηκε στον νέο τότε τομέα των συνθετικών βαφών και χρωστικών που χρησιμοποιούνται για το χρωματισμό υφασμάτων. Αφού μετακόμισε στη Ρουέν ως αντιπρόσωπος πωλήσεων για ένα ελβετικό εργοστάσιο που παράγει υφάσματα ινδικού τύπου, ήταν ένα από τα ιδρυτικά μέλη της Βιομηχανικής Εταιρείας της Ρουέν που ιδρύθηκε το 1872.

 «Ήταν ενδιαφέρον να δούμε ότι ο Léon ενδιαφερόταν για τη χημεία των χρωστικών και των βαφών, ενώ ο Claude ενδιαφέρονταν για την καλλιτεχνική χρήση του χρώματος», είπε ο Lefebvre. «Ο Λεόν είχε επίγνωση της σημασίας της δουλειάς του αδερφού του και τον στήριζε όταν ήταν φτωχός και δύσκολα είχε την οικονομική δυνατότητα να φάει».

  Ο Λεόν άρχισε να συλλέγει έργα – κυρίως ιμπρεσιονιστικά έργα – απευθείας από τους αγωνιζόμενους καλλιτέχνες που γνώρισε μέσω του αδελφού του και τους ενθάρρυνε να λάβουν μέρος σε τοπικές εκθέσεις για μεγαλύτερη έκθεση.

  Η υποστήριξή του σε αυτό που έγινε γνωστό ως ζωγράφοι της Σχολής της Ρουέν ενθάρρυνε άλλους να αγοράσουν έργα από το εκκολαπτόμενο ριζοσπαστικό κίνημα τέχνης που ξεκίνησε επίσημα το 1874 με μια επίδειξη στο Παρίσι αποτελούμενη από έργα που απορρίφθηκαν από την επιδραστική Ακαδημία των Καλών Τεχνών - τους τότε διαιτητές. καλλιτεχνικού γούστου. Το όνομά του προήλθε από μια προσβολή του δημοσιογράφου και θεατρικού συγγραφέα Louis Leroy που περιέγραψε σαρκαστικά τον πίνακα του Monet Impression, Sunrise ως χειρότερο από σκίτσα για ταπετσαρία. Ο Léroy επινόησε τη λέξη «ιμπρεσιονιστής», η οποία κόλλησε.

Πηγές

The Guardian.com