Τα λουλούδια του Vincent Van Gogh

  Ένα εξαιρετικό σημειωματάριο Van Gogh A5 με σκληρό εξώφυλλο και μαγνητικό κλείσιμο. Αυτή η ειδική επετειακή έκδοση αποτίει φόρο τιμής στα λουλούδια του Vincent

  Το 2023, γιορτάστηκε η 50η επέτειος του μουσείου Van Gogh. Για να σηματοδοτηθεί αυτό το εορταστικό ορόσημο, σχεδιάστηκε ένα αποκλειστικό έργο τέχνης αφιερωμένο στα Λουλούδια του Βίνσεντ. Η αγάπη του Vincent για τη φύση είναι ορατή σε όλα τα λουλούδια που ζωγράφισε κατά τη διάρκεια της ζωής του. Για αυτήν την ειδική περίσταση, όλα τα λουλούδια του συνδυάζονται σε ένα ανθισμένο μπουκέτο που γιορτάζει την 50ή επέτειο του Μουσείου Βαν Γκογκ του Άμστερνταμ.

 Με πάνω από 200 πίνακες, σχεδόν 500 σχέδια και περισσότερα από 700 γράμματα, το Μουσείο Βαν Γκογκ φιλοξενεί τη μεγαλύτερη συλλογή έργων του Βίνσεντ βαν Γκογκ οπουδήποτε στον κόσμο. Το Μουσείο Βαν Γκογκ εμπνέει αμέτρητους θιασώτες με τη ζωή και το έργο του Βίνσεντ βαν Γκογκ και των συγχρόνων του για περισσότερα από 50 χρόνια. Όλα τα προϊόντα μας αναπτύσσονται έχοντας κατά νου την κληρονομιά του Βίνσεντ Βαν Γκογκ και κάθε αγορά συμβάλλει στη διατήρηση των δραστηριοτήτων του Μουσείου Βαν Γκογκ, κατά τη διάρκεια των εορτασμών επετείου μας και όχι μόνο.

Πηγή

Μuseumstore.gr

Στο Όρος Άθως

 Το 1885 ένας από τους γνωστούς Νεοέλληνες ζωγράφους, ο Θεόδωρος Ράλλης, αποφάσισε να επισκεφθεί το Άγιον Όρος αναζητώντας θέματα για τα έργα του. Σκοπός του ήταν να μελετήσει την τέχνη που θα συναντούσε στα μοναστήρια και να πάρει μια γεύση της μοναχικής ζωής, μελετώντας ιδιαίτερα την καθημερινή ζωή των μοναχών. Η εμπειρία αυτή καταγράφηκε στο ημερολόγιό του, το οποίο εξέδωσε το 1899 στο Κάιρο, στη γαλλική γλώσσα.

Ο εντοπισμός ενός αντιτύπου από την ερευνήτρια στη βιβλιοθήκη του Γ. Μαυροκορδάτου-Μπαλτατζή στην Εθνική Βιβλιοθήκη της Ελλάδος επέτρεψε τη μετάφραση και το σχολιασμό του κειμένου. Η μοναδικότητά του ως μαρτυρία Νεοέλληνα καλλιτέχνη για το Άγιον Όρος κατά το τελευταίο τέταρτο του 19ου αιώνα, για το οποίο έχουμε λίγες πληροφορίες, καθώς και η έμμεση σύνθεση της βυζαντινής παράδοσης και της νεοελληνικής τέχνης, καθιστούν το ανάγνωσμα πολύτιμο. Η γλαφυρότητα και η απλότητα του ύφους του θα τέρψει τον βιβλιόφιλο, ενώ οι παρατηρήσεις του συγγραφέα και ζωγράφου θα αποκαλύψουν ενδιαφέροντα στοιχεία στον ειδικευόμενο επιστήμονα.

Πήγη

Εκδόσεις Καστανιώτη

Το Άναμμα του καντηλιού, του Θεόδωρου Ράλλη

 

Ο πίνακας και ο συμβολισμός του.

Το άναμμα του καντηλιού ενέχει το συμβολισμό ότι προσφέρεται ως θυσία σεβασμού και τιμής προς το θεό και τους Αγίους του. Συμβολίζει, επίσης, το φως του Χριστού που φωτίζει κάθε άνθρωπο, καθώς επίσης συμβολίζει και το γνωστό παράγγελμα του Κυρίου ότι πρέπει να είμαστε τα φώτα του κόσμου. Το λάδι συμβολίζει το άπειρο έλεος του θεού, αλλά και τα  κανδήλια συμβολίζουν την εκκλησία που είναι μεταδοτική θείου ελέους και φωτιστική.

 Ο Θεόδωρος Ράλλης(1852-1909) είναι από τους γνωστότερους Έλληνες ζωγράφους του 19ου αιώνα. Καλλιτέχνης με ανελλιπή παρουσία στο επίσημο παρισινί Σαλόν, ο Ράλλης ανέπτυξε παράλληλα διεθνή εκθεσιακή δραστηριότητα. Άντλησε τα εθνογραφικά θέματα και τις σαγηνευτικές εικόνες από τα συστηματικά ταξίδια του στην Ελλάδα και στην Ανατολή, ενώ διατηρούσε επίσης ένα δεύτερο ατελιέ στο Κάιρο. Η εικαστική δημιουργία του εναρμονίζεται με το πνεύμα της παραδοσιακής ζωγραφικής που διδάχτηκε κοντά στο διάσημο Γάλλο οριενταλιστή Jean Leon Gerome. Γόνος πλούσιας οικογένειας μεγαλέμπορων από τη Κωνσταντινούπολη και με ρίζες χιώτικες, σπούδασε ζωγραφική στη σχολή καλών τεχνών του Παρισιού, με υποτροφία από τον βασιλιά Όθωνα και με δάσκαλο τον οριενταλιστή Ζαν Λεον Ζερόμ. Έργα του εκτέθηκαν για πρώτη φορά στο Σαλόνι του Παρισιού το 1875. Ήταν μέλος της εταιρείας Γάλλων ζωγράφων, η οποία τον τίμησε με εύφημο μνεία το 1885. Εγιν επίσης μέλος της γαλλικής Λεγεώνας της Τιμής, ενώ το 1900 διετέλεσε μέλος της κριτικής επιτροπής της Διεθνούς Εκθέσεως του Παρισιού.

Μια αναπαραγωγή του έργου σε καμβά(40x23 εκ.) με χειροποίητη ξύλινη κορνίζα είναι διαθέσιμη σε περιορισμένη έκδοση 399 τεμαχίων και μπορείτε να τη βρείτε στο Museum store.gr.

Πηγή 

Museumstore.gr

A Splendid Land, Πίνακες από το Royal Udaipur

Ξεκινώντας τον 16ο αιώνα, μια νέα και εκλεπτυσμένη τέχνη εμφανίστηκε από την ινδική πόλη Udaipur, στην οποία οι καλλιτέχνες απεικόνιζαν ελεύθερα την ομορφιά και την παράδοση του περιβάλλοντός τους

Καθώς η Ινδία αναδεικνύεται ως παγκόσμια δύναμη του εικοστού πρώτου αιώνα, η τέχνη και ο πολιτισμός της γίνονται ολοένα και πιο σημαντικά ως σύμβολα της διαρκούς μακροζωίας και της πολιτιστικής της δύναμης, και εμφανίζεται ένας αυξανόμενος αριθμός βιβλίων που περιγράφουν το εξαιρετικό εύρος και βάθος των παραδόσεων της. Το A Splendid Land είναι ένας όμορφα παρουσιασμένος τόμος που γιορτάζει μια έκθεση στο Εθνικό Μουσείο Ασιατικής Τέχνης του Smithsonian που μνημονεύει τη νέα και όμορφη τέχνη που εμφανίστηκε στο Udaipur μετά τον δέκατο έβδομο αιώνα. Το βιβλίο είναι ένα εξαιρετικό επίτευγμα, πλούσια διακοσμημένο με άφθονες και λεπτομερείς εικόνες. Οι πίνακες είναι επίσημοι αλλά εκπληκτικά προσωπικοί, γεμάτοι με λεπτεπίλεπτα αποδομένους ανθρώπους, κήπους, αρχιτεκτονική και την άφθονη ζωή που διαμορφώθηκε από τη δυναστεία Singh του Mewar.

Ο Μαχαράνα Ουντάι Σινγκ ίδρυσε την Ουνταϊπούρ το 1553, φραματίζοντας την κοιλάδα γύρω της για να δημιουργήσει μια λίμνη που παρείχε νερό στη νέα του πρωτεύουσα και κλείνοντας το μοναδικό εύκολο πέρασμα μέσα από τα βουνά που την προστάτευαν. Ο Singh δεν ήταν ικανός να υπερασπιστεί τον λαό Mewari ενάντια στους Mughals στο Βορρά, αλλά τώρα στη νέα του πρωτεύουσα υπήρχε άφθονη τροφή και νερό κρυμμένο με ασφάλεια πίσω από τρομερές φυσικές άμυνες από απότομους βράχους, όπου είχε τη διοίκηση των υψών και ήταν οπλισμένος με στρατηγικές μπαταρίες κανονιού.

Εμπνευσμένοι από την ασφάλεια που πρόσφερε η όαση της κοιλάδας τους, οι καλλιτέχνες της ακμάζουσας νέας πρωτεύουσας εισήλθαν σε μια ριζική περίοδο καινοτομίας και επανεφεύρεσης, επαναστατώντας ενάντια στους αυστηρούς περιορισμούς της μινιατούρας ζωγραφικής και δουλεύοντας με αδιαφανείς ακουαρέλες σε μεγάλες επιφάνειες ενωμένων χειροποίητων φύλλων χαρτιού γνωστά ως wasli . Η νέα μορφή τους ενθάρρυνε να γίνουν πειραματικοί και δημιούργησαν όμορφα λεπτομερείς πίνακες που απεικονίζουν θρησκευτικές ιστορίες, ποίηση και πορτραίτα, που απευθύνονται σε μια αυλή γνώστων που γαλουχήθηκαν από την κυριαρχία των Singhs, μαγικές εικόνες στη χώρα τους, την πόλη τους και τους δικαστήριο. Το νερό που παρείχε στην πρωτεύουσα την ασφάλεια και τον πλούτο της ήταν ένα ευνοούμενο θέμα και συχνά εμφανίζονται ποτάμια, λίμνες και μουσώνες. Για να αντιμετωπίσουν την κλίμακα του οράματός τους, συνέθεσαν πεπλατυσμένες και αφηρημένες διατάξεις χώρου γεμάτες με εξελιγμένες και λεπτές αναπαραστάσεις ευγενών υψηλού επιπέδου.

Το εισαγωγικό δοκίμιο των Debra Diamond και Dipti Khera στην έκθεση, που δίνει το όνομά του στο βιβλίο, προσφέρει μια εξαιρετική αρχή, παρέχοντας μια συναρπαστική αφήγηση της ιστορίας που κατέστησε δυνατούς αυτούς τους εξαιρετικούς πίνακες, απομυθοποιώντας τις παρατεταμένες οριενταλιστικές παρανοήσεις και τοποθετώντας σωστά τις εικόνες ως τεράστια έργα εξαίσιας και εκλεπτυσμένης κομψότητας αναπτύχθηκαν μέσα σε έναν κοσμοπολίτικο πολιτισμό. Οι ζωγραφιές τους αιχμαλώτιζαν τους αυλικούς να απολαμβάνουν τις αισθησιακές απολαύσεις του περιβάλλοντός τους, και η ακτινοβόλα λάμψη του βασιλιά έλαμψε καθώς περνούσε από το μαγικό του βασίλειο. Αφού διαμορφώσουν τα συμφραζόμενα τους πίνακες, συζητούν την επιμέλεια της έκθεσης ως μια αισθησιακή και καθηλωτική εμπειρία ήχου και χώρου, τοποθετώντας κάθε γκαλερί σε μια τοποθεσία ή εποχή. Παραδόξως, φαίνεται ότι δεν υπάρχει καταγραφή της ημερομηνίας έναρξης ή κλεισίματος της έκθεσης πουθενά στο βιβλίο, κάτι που αφήνει τον αναγνώστη να αισθάνεται αδέσμευτος – αλλά η διάθεση του διαχρονικού ονείρου και της αιθέριας αποστασιοποίησης είναι απολύτως συνεπής με τη γοητευτική ποιότητα της τέχνης, η οποία είναι γεμάτο με το θαύμα και τον αισθησιασμό του μαγικού ρεαλισμού.

Ο Ρίτσαρντ Ντέιβιντ Γουίλιαμς συνεχίζει με το θέμα του ήχου και της αίσθησης, εισάγοντας την χρηστή και βασιλική ποίηση Mewar ως ένα εξαιρετικά εξελιγμένο και κωδικοποιημένο σύστημα στολισμού και συμβολισμού. Επεκτείνει την αισθητική της ποίησης στους πίνακες, λαμβάνοντας υπόψη τέσσερα κείμενα που τοποθετούν τους προστάτες των ποιητών σε μια χώρα των θαυμάτων εκλεπτυσμένων απολαύσεων, η οποία περιελάμβανε, σύμφωνα με ένα βιβλίο συμβουλών του δέκατου τρίτου αιώνα για την καλή ζωή που ονομάζεται Suktimuktavali.

ΠΗΓΉ

Michael Pearce / MutualArt

Ρασινέ. Η πλήρης ιστορία των κοστουμιών απο την ΤASCHEN

  Αρχικά δημοσιεύτηκε στη Γαλλία μεταξύ 1876 και 1888, το Le Costume  historique του Auguste Racinet ήταν στην εποχή του η πιο ευρεία και διεισδυτική μελέτη της ένδυσης που επιχειρήθηκε ποτέ . Καλύπτοντας την παγκόσμια ιστορία της φορεσιάς, της ενδυμασίας και του στυλ από την αρχαιότητα έως το τέλος του 19ου αιώνα, το έργο των έξι τόμων παραμένει εντελώς μοναδικό ως προς το εύρος και τη λεπτομέρειά του .

Αυτή η ανατύπωση του TASCHEN παρουσιάζει τις εξαιρετικά ακριβείς έγχρωμες εικονογραφήσεις του Racinet, καθώς και τις απολαυστικές περιγραφές και τα συχνά πνευματώδη σχόλιά του . Εκτείνοντας τα πάντα, από την αρχαία ετρουσκική ενδυμασία έως τη γαλλική γυναικεία ραπτική, το υλικό είναι διατεταγμένο σύμφωνα με το αρχικό σχέδιο του Racinet ανά πολιτισμό και θέμα. Η Ιστορία των Κοστουμιών του Racinet είναι μια ανεκτίμητη αναφορά για φοιτητές, σχεδιαστές, καλλιτέχνες, εικονογράφους και ιστορικούς . και μια πλούσια πηγή έμπνευσης για όποιον ενδιαφέρεται για την ένδυση και το στυλ.

Πηγή

Τaschen

Ένα σκάκι έργο τέχνης ,δημιουργία από δύο Θεσσαλονικείς

 Η περιπέτεια ξεκίνησε ενάμιση χρόνο πριν. Ταπετσιέρης ο ένας (Γιώργος) με πάθος για τη γλυπτική, συντηρητής εικόνων – επίπλων ο άλλος (Παντελής) με πάθος για τη συγγραφή, αρχίσαμε να συζητάμε για έναν τρόπο να μετουσιώσουμε τις τεχνικές μας γνώσεις και την ανάγκη μας για δημιουργία σε προϊόν.

Η ιδέα ξεκίνησε από μια σκακιέρα και κατέληξε να είναι μια σειρά χειροποίητων αντικειμένων ορισμένων από ένα κυρίαρχο θέμα – θεματικό κύκλο με περισσότερους τέτοιους θεματικούς κύκλους να ακολουθούν.

Αυτή τη στιγμή, έχοντας τελειώσει τα πρώτα μας πρωτότυπα (σκακιέρα, προσχέδια για μελανοδοχείο/πένα και κηροπήγιο), εργαζόμαστε, εκτός απ’ το κομμάτι της παραγωγής, πάνω σε όλες τις υπόλοιπες συνιστώσες πριν την έναρξη της επιχείρησης όπως εταιρική ταυτότητα, προγραμματισμός σε εκθέσεις/εκδηλώσεις, λογιστικά – νομικά θέματα κ.α., ενώ παράλληλα έχουμε και δουλειές!

Το concept είναι να υπάρχει ένας θεματικός κύκλος (σαν 1ο επιλέξαμε τη Μεσαιωνική εποχή) στα πλαίσια του οποίου θα δημιουργούνται μια σειρά από αντικείμενα (σκακιέρα, μελανοδοχείο, κηροπήγιο και άλλα), ένα κυρίαρχο θέμα που θα ορίζει τον τύπο των αντικειμένων, τις φόρμες, τη χρωματική παλέτα, τους συμβολισμούς, τα υλικά και άλλα.

Έτσι κάθε φορά που θα “ανοίγουμε” έναν νέο θεματικό κύκλο θα μας δίνεται η δυνατότητα να αποδώσουμε μια διαφορετική ιδέα, ιστορία, προβληματισμό μέσα από μια μοναδική συλλογή καινούργιων αντικειμένων, δουλεύοντας πάντα με οδηγό το θέμα μας. Αγαπάμε το χειροποίητο και με τη μορφή της μαστοριάς και της επιμέλειας πάνω σ ένα αντικείμενο αλλά παράλληλα και με τη μορφή της καλλιτεχνικής απόδοσης, της διαδικασίας που καταλήγει ν αφήνει κάτι από σένα σε κάθε κομμάτι που δημιουργείς.

Η σκακιέρα ήταν το πρώτο κομμάτι που επιλέξαμε να ολοκληρώσουμε, με το μελανοδοχείο και το κηροπήγιο να ακολουθούν. Σκοπός μας είναι μέσα στο επόμενο τρίμηνο να ξεκινήσουμε και επίσημα την Moelis!

Όλη η υπόθεση είναι να φτάσεις στο τελικό καλούπι ενός πιονιού (6 διαφορετικά σχέδια συνολικά,Βασιλιάς-Βασίλισσα-Αξιωματικός-Αλογάκι/Ιππότης-Πύργος-Στρατιώτης), στο οποίο μετά χυτεύεις υγρό γυαλί. Επίπονη διαδικασία!

Πρώτα σκαλίστηκαν στο χέρι μεγαλύτερα γυμνά γλυπτά (30cm ύψους περίπου) για το κάθε σχέδιο ακολούθησε μια διαδικασία 3D scanning/3D printing απο συνεργάτη για να πάρουμε σε UV ρητίνη ενα μικρότερο σε διάσταση γλυπτό (10cm περίπου).

Φτιάξαμε καλούπια γι αυτά τα μικρότερα κομμάτια, χυτεύσαμε και βγάλαμε αντίγραφα από ρητίνη πολυουρεθάνης πάνω στα οποία δουλέψαμε με εποξικό πηλό όλα τα αξεσουάρ (ρούχα, χειτόνες, επομίδες κλπ).

Γυαλίστηκαν όλα με γυαλόχαρτο στο χέρι και καλουπώθηκαν μια τελευταία φορά με σιλικόνη κατάλληλη για χύτευση με υγρό γυαλί. Από αυτό το σημείο και έπειτα χρειάζονται 2-3 μέρες για να έχεις ένα τελειωμένο πιόνι(το υγρό γυαλί χρειάζεται 24-48 ώρες για να στεγνώσει, φινίρισμα, πέρασμα στην ξύλινη βάση, δερμάτινη επένδυση από κάτω κλπ). 

Χρησιμοποιήσαμε πέτρωμα σε σκόνη για το 1ο σχέδιο (καλυπτικά χρώματα), γραφίτη/κόκκινο καδμίου για τα “μαύρα” και σχιστόλιθο, κρέμ/χρυσό για τα “λευκά” ενώ για το 2ο χρησιμοποιήσαμε διαυγές υγρό γυαλί σαν βάση και προσθέσαμε κομμάτια ξύλου(καρυδιά Αμερικής, ίδιο ξύλο μ αυτό τις σκακιέρας) για τα “μαύρα” πιόνια και φύλλα χρυσού 24 καρατίων για τα “λευκά”.

Παράλληλα αντίστοιχη προσέγγιση υπάρχει και στην ίδια τη σκακιέρα (πχ 1ο σχέδιο:σύμβολο του ρόδου-κόκκινο καδμίου μέσα σε υγρό γυαλί/γραφίτη και σύμβολο κορώνας-χρυσό μέσα σε σχιστόλιθο,κρέμ-υγρό γυαλί), στα πουγκιά των πιονιών (μπέζ βελούδο για τα λευκά, ανθρακί για τα μαύρα), στο κουτί ( χρωματικά “ποτάμια” που θα καταλήγουν σε διαυγές υγρό γυαλί στο κέντρο με σφραγίδα από μπορντό βουλοκέρι) με σκοπό όλο το πακέτο να έχει μια ομοιογενή αισθητική. 

Υπάρχουν τεχνίτες που χρησιμοποιούν  φυσικό ξύλο, υγρό γυαλί και άλλα ποιοτικά υλικά στη διακόσμηση, υπάρχουν καλλιτέχνες που χρησιμοποιούν τη γλυπτική φτιάχνοντας μοναδικά έργα τέχνης. Εμείς, σαν Moelis, ακροβατούμε ανάμεσα στην ανάγκη έκφρασης του καλλιτέχνη και την ανάγκη δημιουργίας του τεχνίτη…

Βασικές αξίες μας η διαρκής αναζήτηση νέων τρόπων έκφρασης μέσα απ το χειροποίητο προϊόν και η εξερεύνηση θεμάτων, ιδεών, προβληματισμών μέσα από αυτό, η συμμετοχικότητα,  η σύνδεση ανάμεσα σε δημιουργό και πελάτη, η ανθρωποκεντρική προσέγγιση τόσο εντός όσο και εκτός επιχείρησης.

Όραμα μας να προάγουμε την σημαντικότητα της δημιουργικότητας στη ζωή μας γεφυρώνοντας την θεωρητική, νοητική ματιά της υψηλής τέχνης απέναντι στον κόσμο και τον άνθρωπο με τον φυσικό, τεχνικό χαρακτήρα του χειροποίητου.

Το ταξίδι αυτό ξεκίνησε απ την ανάγκη μας να δημιουργήσουμε, χωρις προκαθορισμένο προορισμό, στην πορεία του  όμως εξελίχθηκε σε κάτι πολύ πιο ουσιαστικό, απτό, χειροπιαστό, τη Moelis.

Αυτο που μας είναι πλέον ξεκάθαρο είναι οτι προορισμός είναι το ίδιο το ταξίδι, που αισιοδοξούμε να είναι γεμάτο εμπειρίες, τέχνη, δημιουργία, χρώματα, στιγμές και ανθρώπους. Αρχικά η σύσταση της Moelis και η φυσική μας μεν παρουσία σε συναφείς εκθέσεις σε Ελλάδα και εξωτερικό, η συνεργασία μας με galleries, Luxury retailers αλλά και άλλους καλλιτέχνες και δημιουργούς, η ψηφιακή μας δε παρουσία σε πλατφόρμες χειροποίητου e-commerce, μια ιστοσελίδα που θα αντιπροσωπεύει το όραμα μας και το χτίσιμο ενος community ομοϊδεατών ανθρώπων μέσω κοινωνικών δικτύων με τους οποίους να μοιραζόμαστε της καλλιτεχνικές μας περιπέτειες!

Πηγή: exostis.gr

Η συλλογη των παιδικών μας χρόνων από το βιβλίο μιας άλλης εποχης της Jill Barklem

  Η Jill Barklem (1951-15 Νοεμβρίου 2017) ήταν Βρετανίδα συγγραφέας και εικονογράφος παιδικών βιβλίων. Το πιο διάσημο έργο της είναι η σειρά Brambly Hedge .

  Μετά από ένα ατύχημα όταν ήταν δεκατριών ετών, η Jill δεν μπόρεσε να λάβει μέρος σε PE ή παιχνίδια στο σχολείο και αντ' αυτού ανέπτυξε το ταλέντο της στο σχέδιο και την τέχνη.

 Μετά την αποφοίτησή της έγινε εικονογράφος για παιδικές Βίβλους και μια σειρά από συλλογές προσευχών και χάριτων. Με το πατρικό της όνομα εικονογράφησε τα βιβλία Haffertee Hamster των Janet και John Perkins.

  Ο σύζυγός της της πρότεινε να μετατρέψει τις ιδέες της που είχε συλλάβει κατά τη διάρκεια του ταξιδιού με το τρένο στη σχολή τέχνης για μια ιστορία για τη ζωή του φράχτη σε βιβλίο. Η Barklem χρησιμοποίησε αυτή τη φορά για να ερευνήσει τα αγγλικά έθιμα, τη χλωρίδα και άλλες γεωγραφικές και πολιτιστικές λεπτομέρειες για τις ιστορίες της Brambly Hedge .

 Τα πρώτα τέσσερα βιβλία εκδόθηκαν το 1980, το καθένα αντιπροσωπεύει μία από τις τέσσερις εποχές.  Αυτοί οι τέσσερις κυκλοφόρησαν αρχικά ως μεμονωμένοι τόμοι σε μινιατούρα.  Έγραψε άλλα τέσσερα για τη σειρά, η τελευταία που δημοσιεύτηκε το 1994.

 Τα βιβλία του Barklem έγιναν εξαιρετικά δημοφιλή, πουλώντας πάνω από επτά εκατομμύρια αντίτυπα παγκοσμίως και τυπωμένα σε περισσότερες από 13 γλώσσες. Οι χαρακτήρες Brambly Hedge συνέχισαν να εμφανίζονται σε εμπορεύματα, όπως κάρτες, Royal Doulton china και μια σειρά κινουμένων σχεδίων stop-motion The Enchanted World of Brambly Hedge.

Πηγη

Goodreads

wikipidia

Μια απολαυστική εικονογράφηση του ταξιδιού στη Νιρβάνα

 

A Sacred Journey , Karuna Goswamy και BN Goswany. Βιβλία Niyogi

Η ευχαρίστηση της ανάγνωσης του αινιγματικού Ιερού Ταξιδιού του Karuna και του BN Goswamy μοιάζει με την ικανοποίηση που αντλείται από μια έξυπνη ιστορία αστυνομικού. Είναι μια ηρωική αφήγηση της ανάδυσης από το σκιερό μυστήριο δύο μακροχρόνιων διασκορπισμένων σειρών ινδικών αφηγηματικών λατρευτικών πινάκων που χρονολογούνται από τις αρχές του 19ου αιώνα . Η αρχή του βιβλίου περιγράφει μια περίοδο αβεβαιότητας μεταξύ των διεθνών ερευνητών που δεν ήταν καν βέβαιοι για την ιστορία που δημιουργήθηκαν για να απεικονίσουν οι εικόνες – που εμφανίστηκαν μόνο ως συνεκτικό σώμα εργασίας στα μέσα της δεκαετίας του 1960. Καθώς περισσότεροι από τους πίνακες ανακαλύφθηκαν σε ιδιωτικές συλλογές και μουσεία, έγινε σαφές ότι υπήρχαν δύο σαφώς ξεχωριστές αλλά παρόμοιες σειρές.

Εκτός από το σταθερό χέρι του καλλιτέχνη, κοινά χαρακτηριστικά συνέδεαν τις δύο σειρές μεταξύ τους, ειδικά η παρουσία πέντε βραχμάνων προσκυνητών, που αρχικά θεωρήθηκε ότι αντιπροσωπεύουν τους αδελφούς Pandava του σανσκριτικού έπους Mahabharata . Αλλά οι εικονογραφήσεις δεν ταίριαζαν με αυτήν την ιστορία, και μόνο όταν ο Karuna Goswamy μετέφρασε ένα σκοτεινό κείμενο Shaiva γνωστό ως Kedara Kalpa και αναγνώρισε την αντιστοιχία μεταξύ των εικόνων που περιέγραφε και του κόσμου των μυστηριωδών πινάκων που έγινε γνωστό το πραγματικό τους θέμα.

Ο Kedara Kalpa περιέγραψε το ταξίδι πέντε ευσεβών αναζητητών (sadhakars) που τολμούσαν να κάνουν ένα ταξίδι στο μεγαλύτερο ιερό του θεού Shiva, ο οποίος λέγεται ότι το συνέστησε ο ίδιος. Το Kedara ήταν τόπος προσκυνήματος από την ίδρυσή του τον όγδοο αιώνα και είναι ένα από τα σημαντικότερα κέντρα λατρείας του Shiva. Βρίσκεται μέσα στα βουνά στα σχεδόν 12.000 πόδια. Στους πίνακες, οι προσκυνητές προχωρούν μέσα από χιόνι και πάγο, βουνά και χαράδρες, διασχίζοντας ποτάμια και βράχους – το ταξίδι στην Κένταρα είναι το μονοπάτι που οδηγεί στη σωτηρία. Η Kedara Kalpa εξηγεί τη σημασία της τοποθεσίας, «Όπως το ghee είναι η ουσία του γιαουρτιού, το μέλι η ουσία των λουλουδιών και η Samaveda η ουσία όλων των βέδων, έτσι είναι και η Kedara η ίδια η ουσία του προσκυνήματος, το κυριότερο μεταξύ των tirthas».

Οι sadhaka ταξιδεύουν προς τον Βορρά στο ιερό τους ταξίδι, κάνοντας στάσεις σε είκοσι δύο πόλεις, σταματώντας για να κολυμπήσουν σε μεγάλα ποτάμια και προσκυνώντας σε σημαντικά ιερά linga , όπου οι φαλλικοί λίθοι είναι σύμβολα ισχυρής γενετικής ενέργειας. Μπαίνουν σε μια όμορφη πόλη που κατοικείται και κυβερνάται από φίδια, όπου η μουσική είναι συνεχώς στον αέρα, και όμορφες γυναίκες περνούν ανάμεσα σε πόρτες με χρυσό και πολύτιμους λίθους και τα παράθυρα βλέπουν σε λίμνες και δέντρα. Κάθε διαδοχική πόλη αντηχεί την πρώτη και οι ομορφιές περιβάλλουν τους προσκυνητές και τους δελεάζουν να παραμείνουν στην πολυτέλεια αντί να συνεχίσουν το ταξίδι τους. Τρώνε φρούτα που τους κάνουν να κοιμούνται, και τους δίνει μεγάλη σοφία και την ικανότητα να αλλάζουν σχήμα. Ονειρεύονται τον Σίβα καβαλημένο στον ταύρο Nandi. Ένας γέρος προσπαθεί να τους πείσει να εγκαταλείψουν το ταξίδι τους - αλλά είναι ο ίδιος ο Σίβα, μεταμφιεσμένος και δοκιμάζει την αποφασιστικότητά τους. Μια τίγρη απειλεί να τα φάει, αλλά σώζονται όταν απαγγέλλουν το άγκορα μάντρα – η τίγρη ήταν η θεά Ίντρα, που τους δοκίμαζε ξανά. Καθαροί στην καρδιά, συνεχίζουν και φτάνουν σε ένα σπίτι που μιλάει, και έχουν μια μακρά φιλοσοφική συζήτηση με τον φύλακα αυτού του υπέροχου μέρους, και τελικά φτάνουν στην Kedara στο βουνό Kailasha, όπου ο Shiva τους συναντά και τους λέει ότι θα ζήσουν για πάντα. , απαλλαγμένοι από το φόβο του θανάτου και γεμάτοι αγάπη για το πιο εσωτερικό αντικείμενο των επιθυμιών τους.

Με αφοσιωμένη έρευνα, οι ερευνητές κατάφεραν να αναγνωρίσουν τους πίνακες σε διάσπαρτες συλλογές και να επανασυναρμολογήσουν εν μέρει τη σειρά. Η πρώτη σειρά ήταν ελαφρώς μεγαλύτερη από τη δεύτερη, με πλάτος λίγο περισσότερο από 36 εκατοστά, και τα διακριτικά κόκκινα περιγράμματα τους ήταν χαραγμένα με αριθμούς αναφοράς στην γραφή Takri. Μέχρι στιγμής έχουν εντοπιστεί είκοσι πίνακες της πρώτης σειράς. Τα sadhakars της πρώτης σειράς γνώρισαν μεταμόρφωση καθώς έκαναν το ταξίδι τους, εμφανιζόμενοι άλλοτε ως λυγισμένοι ηλικιωμένοι, άλλοτε ως νέοι κατάλληλοι άνδρες με ένα ελατήριο στο βήμα τους, κάτι που ο Goswamy αποδίδει στην ικανότητά τους να αλλάζουν σχήμα. Στη λίγο μικρότερη δεύτερη σειρά φορούσαν περίεργα γούνινα καπέλα πάνω από τα αυτιά τους και οι εμφανίσεις τους δεν διέφεραν ποτέ. Οι πίνακες της δεύτερης σειράς ήταν λιγότερο εκλεπτυσμένοι στην ολοκλήρωσή τους και οι ερευνητές κατάφεραν να αναγνωρίσουν μόνο δεκατρείς από αυτούς.

Οι πίνακες πιθανότατα δημιουργήθηκαν από τον καλλιτέχνη Purkhu και το οικογενειακό του εργαστήριο το πρώτο τέταρτο του δέκατου ένατου αιώνα. Το Purkhu είναι αρκετά ασαφές. Δεν υπάρχει ούτε ένα έργο με την υπογραφή του, αλλά πιθανότατα ήταν ο κορυφαίος καλλιτέχνης της βασιλικής αυλής του Raja Sansar Chard, επιφορτισμένος με τη ζωγραφική πολυπληθών σκηνών γαμήλιων πομπών και φεστιβάλ, βασιλικές διασκεδάσεις, επίσημες συνελεύσεις και στρατιωτικές προόδους. Το σταθερό ύφος του τον προσδιορίζει ως συγγραφέα τους.

Οι πίνακες της πρώτης, ελαφρώς μεγαλύτερης σειράς, είναι λεπτεπίλεπτα και λεπτομερή γραμμικά σχέδια γεμάτα χρώμα, επίσημα συντεθειμένα με μεγάλη κομψότητα. Τα βραχώδη τοπία είναι πολύπλοκα και διακοσμητικά, με απίθανα στρώματα σπασμένους βράχους να ωθούνται προς τα πάνω και μια ελαφρύτερη προέκταση των γκρεμισμένων βουνών στο βάθος. Το φύλλωμα είναι πολυστρωματικό και τα περιγραφικά ζώα είναι στυλιζαρισμένα και ιδιαίτερα διακριτικά. Η δεύτερη σειρά φαίνεται να ολοκληρώθηκε με περισσότερη βιασύνη, δείχνοντας λιγότερη δεξιοτεχνία και προθυμία να χρησιμοποιήσει μια πιο φωτεινή παλέτα brasher. Και οι δύο σειρές είναι γοητευτικές, με περιστασιακές οικιακές στιγμές να σημειώνουν πολλές σκηνές τελετουργικού πλυσίματος, περπατήματος και λατρείας, όπως όταν ένας κουρέας ξυρίζει ένα από τα κεφάλια της σάντακα. Ένας θεαματικός κήπος τοποθετημένος γύρω από μια λίγκα έδωσε στον Πουρκχου την ευκαιρία για άφθονη διακόσμηση με κλιμακωτό φύλλωμα κρεμασμένο στα δέντρα και όμορφα λουλούδια και ένα ρέον ρέμα που αναδύεται από τη βραχώδη πλαγιά του βουνού. Υπέροχες λεπτομέρειες είναι διάσπαρτες γύρω από τον πίνακα, όπως τα πουλιά που αναφέρονται στο κείμενο, και οι μικροσκοπικές φιγούρες των προσκυνητών που αποτίουν φόρο τιμής στο ποτάμι. Κάποιος πίνει, άλλοι προσεύχονται και κάποιος αγγίζει ένα λουλούδι λωτού.

Όταν τα sadhaka εισέρχονται στην πόλη των φιδιών, ο Purkhu διαπρέπει με θεαματικές συνθέσεις γεμάτες με φιγούρες. Στη μικρή σειρά του επεισοδίου, το πρώτο πλάνο δείχνει μια όχθη ποταμού γεμάτη από λουόμενους, και τα πέντε sadhaka υποδέχονται μια όμορφη χορεύτρια και έναν ντράμερ, που τους οδηγεί στην πόλη, όπου υπάρχει μια φανταστικά γεμάτη σειρά από περισσότερους χορευτές και τυμπανιστές και τρομπετίστα. Πάνω τους το βασιλόφιδο συναντά έναν άνθρωπο κυρίαρχο, τον οποίο δροσίζουν οι συνοδοί που κουνάνε ανεμιστήρες και παρατηρείται από μια σειρά αυλικών με ουρά φιδιού. Οι τοίχοι είναι χρυσαφί και στολισμένοι, και άφθονα δέντρα είναι φορτωμένα με μια συγκομιδή πορτοκαλιού καρπού. Οι ματιές ενός γαλάζιου ουρανού κορυφώνονται από τα πλήθη των παλατιών και των πύργων που γεμίζουν τον χώρο. Οι πίνακες της ίδιας σκηνής και στις δύο σειρές ακολουθούν ο καθένας παρόμοιες συνθέσεις και είναι εξίσου απολαυστικοί. Άλλες πόλεις είναι επίσης οπτικά εντυπωσιακές, ειδικά οι απεικονίσεις της άφιξης των sadhakas σε μια πόλη χτισμένη σε έναν πύργο όπου οι γιόγκι κρέμονται ανάποδα από τοίχους διακοσμημένους με κοσμήματα με σχέδια.

ΠΗΓΗ

Michael Pearce / MutualArt