ΖΗΤΩ ΤΟΝ ΑΝΘΡΩΠΟΝ, Saverio Altamura

  Ένας σπουδαίος πίνακας ζωγραφικής του Saverio Altamura από το 1890, δημοπρατείται στις 15/04 στη Γένοβα με τιμή εκκίνησης 7.000 ευρώ. Το θέμα της ελαιογραφίας, διαστάσεων 240cm-148cm, είναι ελληνικής προέλευσης. Απεικονίζι τον Διογένη με το φανάρι στην Αρχαία Αθήνα και κάτω στη κορνίζα υπάρχει επιγραφή <<ΖΗΤΩ ΤΟΝ ΑΝΘΡΩΠΟΝ>>.

 Ο εν λόγω πίνακας πρέπει να είναι το έργο που παρουσιάστηκε στην Εθνική Έκθεση του 1861. Σύγχρονη τέχνη στο Παλέρμο το 1892 (ν. 656, σ.24). Στον μεγάλο καμβά ο Αλταμούρα απεικονίζει τον Διογένη της Σινώπης, που έζησε τον 4ο αιώνα π.Χ., έναν από τους πιο αντιπροσωπευτικούς φιλοσόφους της κυνικής σχολής. Γνωστός για τον ασκητικό τρόπο ζωής και τις προκλητικές του ιδέες, ο Διογένης ενσάρκωσε το ιδανικό της ζωής σε αρμονία με τη φύση, απορρίπτοντας τις κοινωνικές συμβάσεις και τα υλικά αγαθά. Η σκηνή που απεικονίζεται στον πίνακα είναι από τις πιο γνωστές: ο Διογένης, με ένα αναμμένο φανάρι, περιπλανιέται στους δρόμους της Αθήνας. Όταν τον ρώτησαν τι έκανε, απάντησε: «Ψάχνω τον Άνθρωπο». Με τη δήλωσή του αυτή, ο φιλόσοφος κατήγγειλε την υποκρισία και τη διαφθορά της κοινωνίας, υποστηρίζοντας ότι ήταν δύσκολο να βρεθεί ένας αυθεντικός, ενάρετος και έντιμος άνθρωπος. Ζωγράφος με μεγάλη εκφραστική δύναμη και ισχυρός χρωμάτικά, ο Francesco Saverio Altamura ήταν ο ηγέτης της ρεαλιστικής ζωγραφικής στη Νάπολη, μαζί με τον Domenico Morelli. Θεωρείται ο πιο επιφανής ζωγράφος της Φότζια όλων των εποχών, συγκαταλέγεται μεταξύ των μεγάλων καλλιτεχνών της Απουλίας του δέκατου ένατου αιώνα, μαζί με τους Τζουζέπε Ντε Νίτις και Τζιοακίνο Τόμα. Ήταν επίσης ένας από τους πρωταγωνιστές της πολιτιστικής ανάπτυξης της Ιταλίας του δέκατου ένατου αιώνα. Αρχικά σπούδασε με τους Πιαριστές Πατέρες αλλά σύντομα μετακόμισε με την οικογένειά του στην Καμπανία. Αν και φαινόταν προορισμένος για ιατρική καριέρα, ακολούθησε την καλλιτεχνική του κλίση και γράφτηκε στο Ινστιτούτο Καλών Τεχνών της Νάπολης. Εκείνα τα χρόνια πολλοί νέοι από τη Φότζια πήγαιναν στη Νάπολη για σπουδές, ιδιαίτερα στον καλλιτεχνικό χώρο. Εδώ ο Altamura συνάντησε τον Domenico Morelli, ο οποίος τον ενθάρρυνε να ζωγραφίσει και άρχισε επίσης να κάνει παρέα με τον Michele De Napoli. Γύρω στο 1850 ήρθε σε επαφή με τον καλλιτεχνικό κύκλο του Caffè Michelangelo στη Φλωρεντία, όπου γνώρισε την Ελληνίδα ζωγράφο Έλενα Μπουκουρή, η οποία αργότερα θα γινόταν σύζυγός του. Το 1855, μαζί με τους Morelli και Serafino De Tivoli, πήγε στην Παγκόσμια Έκθεση στο Παρίσι. Επιστρέφοντας στη Φλωρεντία, έφερε μαζί του τις νέες ζωγραφικές τάσεις που συνέβαλαν στη γέννηση του κινήματος των Macchiaioli, ενώ συνέχισε να αφοσιώνεται σε ιστορικά θέματα.

 Γράφτηκε αρχικά στη σχολή των ιερέων της Σκολόπης . Όμως τα ενδιαφέροντά του τον οδήγησαν να παρακολουθήσει την Accademia di Belle Arti. Πήρε μέρος στις διαδηλώσεις κατά την εξέγερση του 1848. Πολέμησε στα οδοφράγματα της Santa Brigida. Συνελήφθη για σύντομο χρονικό διάστημα και καταδικάστηκε σε θάνατο, και στη συνέχεια κατέφυγε στην εξορία στη Λ' Άκουιλα και στη συνέχεια το 1850 στη Φλωρεντία. Εκεί μπήκε στον κύκλο των καλλιτεχνών που σύχναζαν στο Caffè Michelangiolo και των ζωγράφων της Τοσκανικής σχολής των Macchiaioli . Ωστόσο, οι πίνακες του Francesco, σε αντίθεση με εκείνους των Macchiaioli , επικεντρώθηκαν σε ιστορικά και πολιτικά γεγονότα.

Το 1855, με τους Morelli και Serafino De Tivoli , ταξίδεψε στην Παγκόσμια Έκθεση στο Παρίσι. Το 1860, επέστρεψε στη Νάπολη, πολεμώντας αυτή τη φορά δίπλα στις δυνάμεις του Τζουζέπε Γκαριμπάλντι . Στη συνέχεια δραστηριοποιήθηκε στην πολιτική αλλά και στην τέχνη. Το 1861, υπέβαλε τον πίνακα της κηδείας του Μπουοντελμόντε στην «Prima esposizione nazionale» που πραγματοποιήθηκε στη Φλωρεντία. 

Το 1865, τοιχογραφεί το παρεκκλήσι του Palazzo Reale της Νάπολης . Το 1892, ζωγράφισε πέντε βωμούς και τέσσερις καμβάδες για την ανακαινισμένη ενοριακή εκκλησία του Castrignano de' Greci στην επαρχία του Λέτσε .

Με την πρώτη του σύζυγο, Έλενα Μπούκουρα απέκτησε τρία παιδιά, μια κόρη, τη Σοφία, και δύο γιους που έγιναν ζωγράφοι ο Ιωάννης και ο Αλεσάντρο. Στη συνέχεια όμως είχε δύο ακόμη συντρόφους, την Ελληνίδα ζωγράφο Ελένη Σιόντη και τέλος τη ζωγράφο Jane Benham Hay , με την οποία απέκτησε έναν γιο, τον ζωγράφο Bernardo Hay . Μεταξύ των μαθητών της Αλταμούρα ήταν ο Βιντσέντζο Ακουαβίβα .

Ο Φραντσέσκο πέθανε στη Νάπολη. Το 1901, στη Φότζια ανεγέρθηκε μνημείο προς τιμήν του.

Πηγές

WANNENES

Βιβλιογραφία αναφοράς:

M Chiarini, Altamura, Francesco Saverio, στο Biographical Dictionary of Italians, Vol. 2, Ρώμη 1960, ad vocim

WIKIPEDIA

Η Ζωγραφική πλευρά του Βίκτορ Ουγκώ

 

 Στη βασιλική ακαδημία του Λονδίνου εγκαινιάστηκε η έκθεση που παρουσιάζει ένα από τα πάθη του Βίκτορ Ουγκό, τη ζωγραφική. Σε συνεργασία με το μουσείο του Βίκτορ Ουγκό στο Παρίσι και την Εθνική βιβλιοθήκη της Γαλλίας, η έκθεση εώς 26/09 2025 στγκεντρώνει σχέδια με μελάνι, που ήταν η αγαπημένη απασχόληση του συγγραφέα των "Άθλιων" όταν δεν έγραφε. Κάστρα της φαντασίας, τέρατα και θαλασσινά τοπία ήταν τα θέματα του, όλα ποιητικά στην εκτέλεση τους.

Ο Βίκτωρ Ουγκώ (1802–1885) ήταν κορυφαίο δημόσιο πρόσωπο στη Γαλλία του 19ου αιώνα. Τα βιβλία του Les Misérables και The Hunchback of Notre Dame τυπώθηκαν παγκοσμίως. Ως ποιητής και ως πολιτικός, κατά τη διάρκεια της σχεδόν εικοσαετούς εξορίας του στα Channel Islands, έφτασε να συμβολίζει τα ιδανικά της γαλλικής δημοκρατίας: την ισότητα και την ελευθερία.

 Ιδιαίτερα, στο καταφύγιό του σχεδίαζε. Το μελάνι και τα οράματα του Hugo με φανταστικά κάστρα, τέρατα και θαλασσινά τοπία είναι τόσο ποιητικά όσο και τα γραπτά του. Τα έργα του ενέπνευσαν ρομαντικούς και συμβολιστές ποιητές, καθώς και πολλούς καλλιτέχνες, συμπεριλαμβανομένων των σουρεαλιστών. Ο Βίνσεντ Βαν Γκογκ τα συνέκρινε με «εκπληκτικά πράγματα».

 Αυτή η έκθεση ακολουθεί την ενασχόληση του Hugo με το σχέδιο, από τις πρώιμες καρικατούρες και τα ταξιδιωτικά του σχέδια μέχρι τα δραματικά τοπία του και τα πειράματά του με την αφαίρεση. Περιλαμβάνει μερικά από τα καλύτερα έργα του σε χαρτί, τα οποία σπάνια εκτίθενται στο κοινό και εμφανίστηκαν για τελευταία φορά στο Ηνωμένο Βασίλειο πριν από περισσότερα από 50 χρόνια.

Πηγές

Royal academy.org

Benedante.blogspot

Η καθημερινή

Φειδίας, ο σημαντικότερος γλύπτης της αρχαιότητας

Ο Φειδίας δείχνει στους φίλους του τη ζωοφόρο του Παρθενώνα, Alma Tadema,Sir Lawrence, 1868, Birmingham Συλλογή:city museum and art gallery.

Ο Φειδίας ήταν γιος του Χαρμίδη, γεννημένος γύρω στο 490 π.Χ. Ήταν ο πιο διάσημος γλύπτης σε μπρούτζο, μάρμαρο και ελεφαντόδοντο από την περίοδο της ελληνικής τέχνης , που διακρίθηκε για την κυριαρχία του υψηλού, του μεγάλου και του αξιοπρεπούς ύφους του , ήταν ταυτόχρονα ζωγράφος και αρχιτέκτονας. Δάσκαλοί του ήταν ο Ηγίας από την Αθήνα, ο Αγέλαδος από το Άργος και ο Πολύγυστος. Ο Φειδίας εργάστηκε κυρίως με χαλκό, ήταν ο πρώτος γλύπτης που συνδύασε ελεφαντόδοτο και χρυσό σαν υλικά στη γλυπτική τέχνη. Η τεχνική και η προεργασία του βασιζόταν ουσιαστικά στο ξύλο. Το σώμα των αγαλμάτων του ήταν δηλαδή ξύλινο , ντυμένο με στρώματα χρυσού και πλάκες ελεφαντοστού. Τα έργα του,αν και δε διασώθηκαν τα περισσότερα, είναι γνωστά και εγκωμιασμένα από τους αρχαίους λογοτέχνες. Από τα πιο γνωστά είναι τα κολοσσιαίου μεγέθους χρυσελεφάντινα αγάλματα της Αθηνάς παρθένου στο Σηκό του Παρθενώνα και τον Δια στον ναό του θεού στην Ολυμπία. Τρια ήταν τα αγάλματα της Αθηνάς. Ένα στη Πηλήνη και ένα στις Πλαταιές. Το μεγαλύτερο ήταν στον Παρθενώνα  επάνω στην Ακρόπολη, και λένε ότι φαίνονταν από τα καράβια στην ανοιχτή θάλασσα . Ο Φειδίας συνεργάστηκε στενά με τον Περικλή στη φιαμόσφωση του Παρθενώνα. Διορισμένος από τον Περικλή ήταν επικεφαλής όλων των καλλιτεχνικών του εγχειρημάτων, κόσμησε την Αθήνα με πολλά έργα όλων των τεχνών . Εκτέλεσε ειδικές εικόνες θεών. Η χρηματοδότηση του τεράστιου κόστους της ανακατασκευής της Ακρόπολης μετά της καταστροφή της από τους Πέρσες έγινε με χρήματα που χρησιμοποίησε ο Περικλής από το ταμείο της :θηναϊκής συμμαχίας που έδρευε στη Δήλο. Τα αγάλματα κατασκευάστηκαν από τους μαθητές του Αλκαμένη, ο οποίος ήταν ο πιο διάσημος μαθητής του γεννημένος στη Λήμνο, και Αγαρόκριτο από το νησί Πάφος, ενώ ο ίδιος κατασκεύασε το χρυσελεφάντινο άγαλμα της Αθηνάς. Η τεράστια ποσότητα χρυσού που κατανάλωσε έδωσε αφορμή στους εχθρούς του να τον κατηγορήσουν για κατάχρηση. Ο Φειδίας απόδειξε την αθωότητα του, επειδή ο Περικλής τον είχε συμβουλέψεινα κάνει το χρυσό ένδυμα της Αθηνάς συναρμολογούμενο. Έτσι μπορεσε να το αποσυναρμολογήσει και να ζυγίσει το βάρος του χρυσού που βρέθηκε ακέραιο. Ο Φειδίας τότε κατηγορήθηκε για αλαζονεία, επειδή είχε απαθανατήσει τον εαυτό του και τον Περικλή, δίνοντας την μορφή ρους σε δύο αντίστοιχους χαρακτήρες στη πολεμική σκηνή που διακοσμούσε την ασπίδα της Αθηνάς. Ο Φειδίας συνελήφθη και καταδικάστηκε. 

 Ο αριθμός των έργων τέχνης που παρήγαγε ο Φειδίας ήταν εξαιρετικά μεγάλος, και όμως η εκτέλεσή τους στη λεπτομέρεια ήταν εξίσου εξαιρετική και προσεκτική με τη σύλληψη του συνόλου. Η μοίρα του ήταν τόσο στενά συνυφασμένη με αυτή του Περικλή που σε μια εποχή που ο τελευταίος είχε χάσει την εύνοια των Αθηναίων, κατηγορήθηκε από τους εχθρούς του, ακομα και από μαθητές του:(Μένων), και εξορίστηκε το 432 π.Χ. 

Κατέφυγε στην Ολυμπία, όπου κατασκεύασε το περίφημο άγαλμα του Ολυμπίου Διός, ένα από τα επτά θαύματα του αρχαίου κόσμου. Τα κάτω μέρη του αγάλματος καλύπτονταν από ένα ρέον μανδύα. Στο δεξί του χέρι κρατούσε τη θεά της νίκης, που τον έστεψε, τον πρώτο νικητή, και στο αριστερό του το σκήπτρο με τον αετό . Η δύναμη , η σοφία και η καλοσύνη ήταν οι εκφράσεις των χαρακτηριστικών του. Το άγαλμα παρίστανε τον Δία καθισμένο με το σώμα του φτιαγμένο από ελεφαντοστό ενώ το ένδυμα από χρυσό. Δυστυχώς τον κυνήγησε η ίδια μοίρα, αφού ξανακατηγορήθηκε για κατάχρηση και κλοπή χρυσού και φυλακίστηκε ως το θάνατο του. Αν και δε διασώθηκαν πολλά έργα του , αυτά έγινα γνωστά και από πολυάριθμα Ρωμαϊκά αντίγραφα. 

Προς το τέλος της ζωής του ο Φειδίας ήταν ύποπτος για υπεξαίρεση χρυσού κατά την κατασκευή ενός αγάλματος . είναι βέβαιο ότι πέθανε στη φυλακή το 432 . Το σήμα κατατεθέν της τέχνης του είναι η εξαιρετική αξιοπρέπεια , η υψηλή τεχνική τελειότητα και η φυσική αλήθεια που εξελίχθηκε σε ιδανική ατομικότητα .

Το 1958 αρχαιολόγοι ανακάλυψαν το εργαστήριο του Φειδία στην Ολυμπία, με κάποια υπολείμματα από εργαλεία και καλούπια όπου ο γλύπτης δημιουργούσε το περίφημο χρυσελεφάντινο άγαλμα που καταστράφηκε από πυρκαγιά στη Κωνσταντινούπολη όπου το μετέφερε ο Κωνσταντίνος μετά από πολλούς αιώνες.

Στην Ήλιδα υπήρχε μια Αφροδίτη Ουρανία από αυτόν, στους Δελφούς υπήρχαν 10 χάλκινα αγάλματα που οι Αθηναίοι έστησαν από τα λάφυρα της νίκης του Μαραθώνα. Στην καλλιτεχνική του δραστηριότητα ανήκουν , αν και όχι άμεσα, τα αγάλματα στο αέτωμα του Παρθενώνα , τα λείψανα των οποίων σώζονται στο Λονδίνο με την ονομασία των Ελγινικών Μαρμάρων . Στα έργα αυτά συγκαταλέγονται και τα γλυπτά από τα Προπύλαια (η Νίκη Άπτερος), το Θησείο κ.λπ., από τα οποία όμως έχουν διασωθεί πολύ λιγότερα. Μόνο η ζωφόρος από το σηκό του Ναού της Νίκης Απτέρου, ύψους 3 1/2 ποδιών και μήκους 28 ποδιών, που απεικονίζει την πομπή των Παναθηναίων, ένα από τα πιο θαυμάσια έργα της ελληνικής τέχνης , σώθηκε και σώζεται σε μεγάλο βαθμό στο Βρετανικό μουσείο. Το άγαλμα της Νέμεσις σκαλίστηκε από τον Φειδία από ένα τετράγωνο μάρμαρο που είχαν φέρει μαζί τους οι Πέρσες για να σχηματίσουν σύμβολο νίκης όταν οι Έλληνες ηττούνταν.

Συγγενείς καλλιτέχνες του Φειδία:

Πάναινος ,ανιψιός του Φειδία και ζωγράφος

Αμμώνος , γιος του Φειδία, ζωγράφος

Πλίσταντος, αδερφός του Φειδία, ζωγράφος

Πηγές 

Pierers universal lexicon, Altenburg 1860,σελ. 61

Karl Ernst Georges Hannover 1913

Brockhaus conversations Lexicon 1809

Το λεύκωμα που περιέχει το νησί της Κέρκυρας σε πανέμορφες ακουαρέλες και σκίτσα με τα πινέλα ενός περιηγητή

 

 

  Περιλαμβάνει πάνω από 200 σκίτσα και δείχνει μια μαγική Κέρκυρα, την πόλη και τα χωριά της, όπως φαίνεται μέσα από τα μάτια ενός καλλιτέχνη που ζει στο νησί από το 1961. Ένα πολύ όμορφο λεύκωμα σκίτσων και ακουαρέλας για συλλογή. Με σημεία σταθμούς του νησιού και γραφικές λεπτομέρειες, που συνοδέυονται από έξυπνα σχόλια του περιηγητή. Τα αρώματα, τα χρώματα, η αρχιτεκτονική, ο κόσμος της παλιάς πόλης και των χωριών περιγράφονται μέσα από μια απολαυστική βόλτα στο νησί των Φαιάκων.

Oι Πατατοφάγοι του Vincent Van Gogh ζωντανεύουν μέσα από ένα animation

  Ο Βαν Γκογκ είδε τους Πατατοφάγους ως ένα έργο επίδειξης, για το οποίο επέλεξε σκόπιμα μια δύσκολη σύνθεση για να αποδείξει ότι βρισκόταν στο δρόμο για να γίνει καλός ζωγράφος. Ο πίνακας έπρεπε να απεικονίζει τη σκληρή πραγματικότητα της αγροτικής ζωής, έτσι έδωσε στους αγρότες χοντροκομμένα πρόσωπα και αποστεωμένα, εργατικά χέρια. Ήθελε να δείξει με αυτόν τον τρόπο ότι «έχουν καλλιεργήσει τη γη οι ίδιοι με αυτά τα χέρια που βάζουν στο πιάτο ... ότι έτσι κέρδισαν έντιμα την τροφή τους».

  Ζωγράφισε τις πέντε φιγούρες σε γήινα χρώματα – «κάτι σαν το χρώμα μιας πραγματικά σκονισμένης πατάτας, χωρίς φλούδα φυσικά». Το μήνυμα του πίνακα ήταν πιο σημαντικό για τον Βαν Γκογκ από τη σωστή ανατομία ή την τεχνική τελειότητα. Ήταν πολύ ευχαριστημένος με το αποτέλεσμα: ωστόσο η ζωγραφική του απέσπασε σημαντική κριτική επειδή τα χρώματά της ήταν τόσο σκούρα και οι φιγούρες γεμάτες λάθη. Στις μέρες μας, οι Πατατοφάγοι είναι ένα από τα πιο διάσημα έργα του Βαν Γκογκ.

To animation δημιουργήθηκε από τον Αndrey Ζakirzyanov.

Πηγές

Van Gogh Museum

Τα κάλαντα και η ιστορία τους στην Ελληνική Ζωγραφική

 

Κάλαντα, πίνακας του Νικηφόρου Λύτρα (1872, ιδιωτική συλλογή). Ένα έργο ηθογραφικό με πολλούς συμβολισμούς.

 Τα Κάλαντα αποτελούν δημοτικά ευχητικά και εγκωμιαστικά τραγούδια που ψάλλονται εθιμικά κατ΄ έτος κυρίως την παραμονή μεγάλων θρησκευτικών εορτών όπως των Χριστουγέννων, της Πρωτοχρονιάς, των Θεοφανείων, ακόμη και των Βαΐων ή του Λαζάρου, με εξαίρεση εκείνων της Μεγάλης Παρασκευής που είναι κατανυκτικά. Κύρια παραδοσιακά μουσικά όργανα που συνοδεύουν τα κάλαντα είναι το τρίγωνο, το λαούτο, το νταούλι η τσαμπούνα, η φλογέρα κ.ά.

Πολλοί ζωγράφοι ασχολήθηκαν με το θέμα δίνοντας αξιόλογα έργα. Στην Ελλάδα κορυφαίο, βέβαια, θεωρείται το αριστούργημα του Νικηφόρου Λύτρα (1832 – 1904) «Τα Κάλαντα». Όμως και άλλοι γνωστοί καλλιτέχνες έχουν ασχοληθεί με τη θεματογραφία αυτού του εθίμου. Είναι ο Γεώργιος Ιακωβίδης (1853 – 1932), ο Γεώργιος Σικελιώτης (1917 – 1984), ο Κώστας Γραμματόπουλος (1916 – 2003), η Μαρία Πωπ (1925 – 2009), ο Κώστας Θετταλός (1905 – 1992) κ.ά. 

Γεώργιος Ιακωβίδης, Παιδικό κοντσέρτο1894. Ο καλλιτέχνης ζωγράφισε το έργο όταν διέμεινε στη Βαυαρία. Υπάρχουν δύο εκδοχές. Η πρώτη εκτέθηκε στην Αθήνα στους πρώτους Ολυμπιακούς αγώνες το 1896 και η δεύτερη (της φωτογραφίας) στην έκθεση του Παρισιού το 1900 όπου και βραβέυτηκε.

 Οι Πατέρες της Εκκλησίας κατά τους Βυζαντινούς χρόνους απαγόρευαν ή απέτρεπαν το έθιμο ως καταγόμενο από τις εορτές των ρωμαϊκών Καλενδών που είχε καταδικάσει η ΣΤ' Οικουμενική Σύνοδος το 680 μ.Χ., αποκαλούντες τους συμμετέχοντες σ΄ αυτό "Μηναγύρτες".

Γιώργος Ιακωβίδης, Παιδικό κοντσέρτο, χρονολογείται ανάμεσα στα 1884 and 1890.

 Τα κάλαντα ψάλλονται κυρίως από παιδιά αλλά σε σπάνιες περιπτώσεις και από από εφήβους ή ενήλικα άτομα, είτε μεμονωμένα είτε κατά ομάδες, πηγαίνοντας σε σπίτια, καταστήματα, δημόσιους χώρους κ.λπ. με τη συνοδεία του σιδερένιου τριγώνου, αλλά ενίοτε και άλλων μουσικών οργάνων (φυσαρμόνικας, ακορντεόν, τύμπανου, φλογέρας, ή κάποιου άλλου). Οι ερμηνευτές ρωτούν συνήθως «Να τα πούμε;» και περιμένουν την απάντηση «Να τα πείτε».

Γεώργιος Σικελιώτης – «Τα κάλαντα» 1962, περιλαμβάνεται στη συλλογή από 28 έργα με τίτλο «Οι Γυρολόγοι της Αθήνας». Τα έργα κόσμησαν το ημερολόγιο της εταιρείας Τσιμέντων Α.Γ.Ε.Τ. Ηρακλής-Όλυμπος το 1962. Η συλλογή έχει παραχωρηθεί από την Α.Γ.Ε.Τ. Ηρακλής-Όλυμπος, στο Μουσείο Μπενάκη.

  Κύριος σκοπός των τραγουδιών αυτών είναι μετά τις αποδιδόμενες ευχές τα "Χρόνια Πολλά" το φιλοδώρημα είτε σε χρήματα (σήμερα) είτε σε προϊόντα (παλαιότερα). 

Τα κάλαντα ξεκινούν κυρίως με χαιρετισμό στη συνέχεια αναγγέλλουν τη μεγάλη χριστιανική εορτή που φθάνει και καταλήγουν σε ευχές. Τα κάλαντα ψάλλονται στην Καθαρεύουσα, κάτι που υποδηλώνει άμεση καταγωγή τους από τους Βυζαντινούς χρόνους τις Καλένδες του Ιανουαρίου, αν και τα τοπικά ιδιώματα/διαλέκτοι επίσης χρησιμοποιούνται.

Ο μεγάλος αριθμός των διαφόρων παραλλαγών εξανάγκασε να διακρίνονται αυτά σε εθνικά ή αστικά και στα τοπικά ή παραδοσιακά (κατά περιοχή). Στα χριστουγεννιάτικα κάλαντα έχουν καταμετρηθεί περισσότερες από τριάντα παραλλαγές μόνο στον Ελλαδικό χώρο. Σήμερα εκτός των παραπάνω έχουν εισαχθεί και διάφορα ξένα χριστουγεννιάτικα τραγούδια, μερικά από τα οποία έχουν μεταγλωττιστεί στα ελληνικά και χρησιμοποιούνται κάποιες φορές επιπρόσθετα με τα παραδοσιακά.

Επίσης και η ημέρα που ψάλλονται τα κάλαντα σε ορισμένες περιοχές ονομάζονται "Κάλαντα" (Κόλιντα, Κόλεντας, Κόλιαντας) με εξαίρεση τη νήσο Μήλο που ψέλνονταν μόνο τη παραμονή της Πρωτοχρονιάς, συντασσόμενα κάθε φορά νέα κάλαντα, με τα οποία όμως ζητούσαν οικονομική συνδρομή για κάποιο κοινωνικό σκοπό (π.χ. ανέγερση ή επιδιόρθωση ναού) δίδοντας και συμβουλές προς τους άρχοντες η παρατηρήσεις με σκωπτικό χαρακτήρα. Τέτοιες είναι και οι σχετικές "μαντινάδες" της Κρήτης ή "κοτσάκια" της Νάξου με σκωπτικό επίσης χαρακτήρα που ψάλλονται ως "κάλαντα".

Μουσικοί. Κάλαντα στο Βυζάντιο, 1070

 Γενικότερα οι νοικοκυραίοι ανάλογα με την περιοχή, έδιναν στα παιδιά φρούτα, ξηρούς καρπούς (καρύδια, φουντούκια, σταφίδες κλπ.), αυγά, βούτυρο, καβουρμά και πληγούρι. Επίσης όσοι επιθυμούσαν έδιναν και μερικές δεκάρες ή δραχμές.

Στη Μικρά Ασία ψάλλονταν από τα παιδιά το βράδυ της παραμονής των μεγάλων εορτών των Χριστουγέννων, της Πρωτοχρονιάς, των Θεοφανείων. 

Στα μικρασιατικά παράλια τα παιδιά έψαλαν τα κάλαντα κρατώντας στα χέρια τους τραμπούκες και βαποράκια. Κατασκεύαζαν και στόλιζαν πολύχρωμα καράβια με φωτεινά φαναράκια και χάρτινα φουντάκια. Κάποιες φορές αντί για βαπόρια κατασκεύαζαν εκκλησίες χάρτινες και φωτιζόμενες εσωτερικά, μικρά ομοιώματα της Αγίας Σοφίας.

Πηγές:

 https://www.art22.gr/

Wikipedia

Θεόφιλος Κένταρχος, Το Λεύκωμα αυτοβιογραφία

Ο Θεόφιλος (Φίλης) Κένταρχος γεννήθηκε στην Άνω Κορακιάνα Κέρκυρας. Φοίτησε στην Καλλιτεχνική Σχολή Κέρκυρας, με καθηγητή τον Άγγελο Κόντη. Σπούδασε στη Ζωσιμαία Παιδαγωγική Ακαδημία Ιωαννίνων. Συνέχισε τις σπουδές του στην Αθήνα για τρία ακόμη έτη στο εργαστήριο ζωγραφικής του Θεόδωρου Δρόσου. Έκανε ελεύθερες σπουδές στο Παρίσι, όπου μελέτησε τον ιμπρεσιονισμό και αργότερα στη Φλωρεντία και στη Νάπολη, όπου γνώρισε την Αναγέννηση και τη σχολή Ποζίλιπο.

Δίδαξε στη δημόσια εκπαίδευση επί 27 συνεχή έτη και τιμήθηκε από το Υπουργείο Παιδείας και την UNESCO, για την προσφορά του στον χώρο της εκπαίδευσης.

Είναι ιδρυτικό μέλος της «Ένωσης Κερκυραίων Λογοτεχνών- Καλλιτεχνών» και της «Εικαστικής Ένωσης Κέρκυρας» και μέλος του Επιμελητηρίου Εικαστικών Τεχνών Ελλάδος.

Από το 1989 ξεκίνησε την «Εικαστική Αποκέντρωση» με σύνθημα: «Η Τέχνη όχι προνόμιο των μεγάλων εικαστικών κέντρων, αλλά και δικαίωμα της υπαίθρου. Με τη συνεργασία φίλων καλλιτεχνών από την Κορακιάνα ίδρυσε το 1990 το «Εικαστικό Κέντρο Κέρκυρας» με σκοπό την παρουσίαση και αξιοποίηση της Επτανησιακής δημιουργίας. Οι συνεργασίες του «Εικαστικού Κέντρου Κέρκυρας» πολλές, όχι μόνο στην Ελλάδα αλλά και στο εξωτερικό, Ολλανδία, Ρωσία και αλλού.

Το αυτοβιογραφικό λεύκωμα ενός από τους μεγαλύτερους εν ζωή ζωγράφους, του Κερκυραίου Θεόφιλου Κένταρχου “Μικρές ιστορίες από τη Ζωή και την Τέχνη”, θα παρουσιάστηκε στην αίθουσα εκδηλώσεων της Αναγνωστικής Εταιρίας.

Πηγές

ΕΡΤ

Απόσπασμα βίντεο Έλενα Παπάζη

O πινακάς του Βαν Γκογκ ζωντανεύει μπροστά στα μάτια μας

 

   Στις αρχές του 1888, ο Βαν Γκογκ ταξίδεψε στο ψαροχώρι Les Saintes-Maries-de-la-Mer. Ζούσε στην Αρλ και δεν είχε δει ποτέ τη Μεσόγειο Θάλασσα. Έπρεπε να ταξιδεύει για ώρες με πούλμαν για να φτάσει εκεί. Μετά το ταξίδι όμως τον υποδέχτηκε η Μεσόγειος. Ο Βαν Γκογκ έμεινε για λίγο στο Les Saintes-Maries-de-la-Mer. Σε μόλις μια εβδομάδα, έκανε εννέα σχέδια και τρεις πίνακες μέσα και γύρω από το χωριό.

  Αυτό το animation του «Seascape near Les Saintes-Maries-de-la-Mer», (1888) είναι φτιαγμένο από τον Andrey Zakirzyanov. Ο Andrey Zakirzyanov είναι ένας Σοβιετικός - Ρώσος καλλιτέχνης, σκηνοθέτης, animator, σχεδιαστής, δάσκαλος και ασχολούμενος με πολλές άλλες δραστηριότητες όσον αφορά τη τεχνολογία τη ζωγραφική και γενικά τις οπτικές τέχνες.

Copyright Έλενα Παπάζη

21 κλεμμένα έργα τέχνης επιστρέφουν στην Ιταλία, η κατάσχεση αριστουργημάτων 13 εκατομμυρίων ευρώ στο Met στη Νέα Υόρκη

 Σύμφωνα με τον εισαγγελέα, μεταξύ των ιταλικών κομματιών που αγοράστηκαν παράνομα από το μουσείο, οκτώ προέρχονταν από την γκαλερί του Σικελού εμπόρου έργων τέχνης Gianfranco Becchina.

Είκοσι ένα έργα τέχνης είναι έτοιμα να επιστρέψουν στην Ιταλία. Η εισαγγελία της Νέας Υόρκης κατάσχεσε τα αριστουργήματα της κλασικής εποχής που είχαν κλαπεί από την πατρίδα τους από το διάσημο μουσείο Met και διέταξε την άμεση επιστροφή τους. Η κατάσχεση αφορούσε άλλα έξι έργα που θα επαναπατριστούν στην Αίγυπτο. Σύμφωνα με τους ερευνητές, ανάμεσα στα ιταλικά κομμάτια που αγοράστηκαν παράνομα από το μουσείο, οκτώ είχαν εισέλθει στις συλλογές μέσω του Gianfranco Becchina, ενός Σικελού έμπορου έργων τέχνης, με γκαλερί στην Ελβετία, ήδη στο επίκεντρο αρκετών διεργασιών στην Ιταλία. Τα έργα που θα επιστραφούν από το Met έχουν συνολική αξία 13 εκατομμυρίων δολαρίων. 

Ανάμεσά τους η κολοσσιαία μαρμάρινη κεφαλή της Αθηνάς από το 200 π.Χ. και μια τερακότα «κύλιξ» (τυπικό ελληνικό κύπελλο κρασιού) που αποδίδεται στον Ζωγράφο της Villa Giulia del 470. ΠΡΟ ΧΡΙΣΤΟΥ. Το τελευταίο ήταν μια αγορά που είχε κάνει η Met από τη γκαλερί Becchina στη Βασιλεία το 1979. Πριν από λίγες ώρες, η Κοινοπραξία Ερευνητικών Δημοσιογράφων ανέφερε τις κατασχέσεις που πραγματοποίησε ο εισαγγελέας της Νέας Υόρκης κατά τη διάρκεια των μηνών.

Ένα παράνομο εμπόριο που ερευνάται εδώ και χρόνια

Η είδηση ​​για τις νέες απαγωγές επιβεβαιώνει την ένταση των ερευνών που διεξάγουν εδώ και χρόνια οι ανακριτές για το λαθρεμπόριο πολιτιστικών αγαθών . Ήδη πριν από ένα μήνα, το άλλο μεγάλο αμερικανικό μουσείο Getty στο Λος Άντζελες ανακοίνωσε τον επαναπατρισμό της ομάδας γλυπτών «Ορφέας και οι Σειρήνες» μετά το γραφείο του Matthew Bogdanos, υπεύθυνου για την καταπολέμηση της κυκλοφορίας της αρχαιότητας του Εισαγγελέα που είχε ανακαλύψει ότι είχε ανασκαφεί κρυφά στην περιοχή του Τάραντα. Ο Βρετανός έμπορος έργων τέχνης Ρόμπιν Σάιμς συμμετείχε επίσης στην κατάληψη του Met, καθώς και  σε αυτού του Getty στο Λος Άντζελες. Δωρητής το 1988 στο Getty of the Venus of Morgantina για 18 εκατομμύρια δολάρια, στη συνέχεια επέστρεψε στην Ιταλία το 2007, τώρα είναι ο δωρητής ενός αγαλματιδίου από τερακότα μιας θεάς του 400 π.Χ. Γ., ώστε να επιστραφεί πίσω στην Ιταλία. Άλλοι έμποροι τέχνης στο στόχαστρο των ερευνητών είναι ο Τζάκομο Μέντιτσι και ο Πασκουάλε Κάμερα, μέχρι τον Μπεκίνα, τον κύριο πρωταγωνιστή της κατάληψης του Μετ. «Το μουσείο θα έπρεπε να είχε ερευνήσει την προέλευση των κομματιών που μπήκαν στις συλλογές μέσω της γκαλερί της Βασιλείας, μόλις δημιουργήθηκαν υποψίες», δήλωσε στους Times ένας ειδικός σε θέματα διακίνησης κλεμμένων έργων τέχνης.

Πηγές:

Openonline

Η αυτοπροσωπογραφία του Βαν Γκογκ βρέθηκε πίσω από έναν άλλο πίνακα. Μουσείο του Εδιμβούργου

 

BBC \ Επιμελήτρια Frances Fowle με τον πίνακα Head of a Peasant, 14 Ιουλίου 2022

 Οι ειδικοί βρήκαν την έκπληξη χάρη σε μια ακτινογραφία στον καμβά "Το κεφάλι του χωρικού"

 Μια αυτοπροσωπογραφία του Βίνσεντ Βαν Γκογκ , καλυμμένη με στρώματα κόλλας και χαρτόνι, βρέθηκε κρυμμένη στο πίσω μέρος ενός άλλου πίνακα. Η ανακάλυψη προέρχεται από την Εθνική Πινακοθήκη της Σκωτίας στο Εδιμβούργο , όπου οι ειδικοί βρήκαν την έκπληξη χάρη σε μια ακτινογραφία που τραβήχτηκε στον καμβά Peasant Head , έργο του 1885, πριν το εκθέσουν σε έκθεση. Η συντηρήτρια του μουσείου Lesley Stevenson είπε ότι ήταν " σοκαρισμένη ". «Όταν είδαμε για πρώτη φορά την ακτινογραφία, ήμασταν προφανώς εξαιρετικά ενθουσιασμένοι. Αυτή είναι μια σημαντική ανακάλυψη γιατί προσθέτει νέα στοιχεία σε αυτά που ήδη γνωρίζουμε για τη ζωή του Βαν Γκογκ», είπε. Είναι γνωστό ότι ο καλλιτέχνης επαναχρησιμοποίησε συχνά τους καμβάδες, ζωγραφίζοντας και στις δύο πλευρές για οικονομικά προβλήματα.

 Ο πίνακας Κεφάλι ενός χωρικού στη μυστηριώδη αυτοπροσωπογραφία που βρέθηκε απεικονίζει μια γυναίκα από την πόλη Neunen, νότια της Ολλανδίας, όπου ο Βαν Γκογκ έζησε για δύο χρόνια από το 1883 έως το 1885. Σύμφωνα με αναφορές του BBC, η αυτοπροσωπογραφία του καλλιτέχνη χρονολογείται από την περίοδο που μετακόμισε στο Παρίσι. 15 χρόνια μετά τον θάνατό του, στις 29 Ιουλίου 1890, ο καμβάς δανείστηκε στο Μουσείο Stedelijk στο Άμστερνταμ για μια έκθεση. Στη συνέχεια, αφού πέρασε σε  άλλα ακίνητα, περιήλθε στα χέρια της Evelyn St Croix Fleming, δημιουργού του James Bond, το 1923. Το 1951 μπήκε στη συλλογή του Alexander και της Rosalind Maitland στη Σκωτία, ο οποίος στη συνέχεια αποφάσισε να το δωρίσει στο μουσείο του Εδιμβούργου . Ο Βαν Γκογκ δεν είχε μεγάλη φήμη όσο ζούσε. Σημείωσε επιτυχία μόνο μετά το θάνατό του και έγινε ένας από τους πιο σημαντικούς καλλιτέχνες στη Δύση.

Πηγές:

Openonline, Italy

Van Gogh, Klimt, Cézanne:Η συλλογή του συνιδρυτή της Microsoft Πολ Άλεν πουλήθηκε για 1,6 δισεκατομμύρια δολάρια

ANSA / La Montagne Sainte-Victoire του Paul Cezanne, από τη συλλογή του Paul Allen, 10 Νοεμβρίου 2022

 Όλα τα έσοδα θα διατεθούν για φιλανθρωπικό σκοπό, μετά από σύσταση του συλλέκτη που πέθανε πριν από 4 χρόνια

Πάνω από ενάμιση δισεκατομμύριο δολάρια για τη συλλογή του συνιδρυτή της Microsoft Πολ Άλεν , ο οποίος πέθανε πριν από τέσσερα χρόνια σε ηλικία 65 ετών . Έκανε το en plein στον Christie's με το 100% των παρτίδων που πουλήθηκαν για συνολικά 1 δισεκατομμύριο και 620 εκατομμύρια συλλογές . «Μια ιστορική πώληση», το ονόμασε ο Christie's στο τέλος της δεύτερης ημέρας των εκπτώσεων. Μόλις χθες, 9 Νοεμβρίου, τα 60 highlights της συλλογής είχαν ήδη πουληθεί και σε δύο ώρες τα έσοδα είχαν ήδη φτάσει το ενάμισι δισεκατομμύριο δολάρια. Και, μετά τα χθεσινά πυροτεχνήματα, σήμερα χτυπήθηκαν και τα μικρά κομμάτια, συμπεριλαμβανομένου ενός θραύσματος γλυπτού που αποδίδεται στον κύκλο τουΟ Donatello - που υποτίθεται ότι ήταν η «Σταχτοπούτα» του πρωινού - με εκτίμηση μεταξύ 10 και 15 χιλιάδων δολαρίων , πάνω από δεκαπλάσιο κατά την πώληση σε πάνω από 200 χιλιάδες .

ANSA / Madonna of the Magnificat του Sandro Botticelli, από τη συλλογή του Paul Allen, 10 Νοεμβρίου 2022

 Τα χρήματα που θα συγκεντρωθούν θα πάνε για φιλανθρωπικούς σκοπούς του συλλέκτη. Η συλλογή του Paul Allen, που θεωρείται « οραματιστής », περιελάμβανε πολλά διάσημα έργα. Ανάμεσα στα πολλά, το πανόραμα ενός κήπου στην Αρλ του Βαν Γκογκ , Verger avec Cyprès , (πωλήθηκε για 117 εκατομμύρια ), Les Poseuses - μικρή έκδοση του Georges Seurat ( 149 εκατομμύρια ), La Montagne Sainte Victoire του Paul Cézanne (138 εκατομμύρια ), το Δάσος Σημύδων του Γκούσταβ Κλιμτ ( 105 εκατομμύρια . Και πάλι: Maternité II του Paul Gaugin ( 106 εκατομμύρια ). Επίσης υπάρχει ένα Botticelli με το The Madonna del Magnificat , μια μικρότερη έκδοση από αυτή του Uffizi και πωλήθηκε για 40 Εκατομμύρια δολάρια.

Πηγές:

Openonline ,Italy

Oι 3 καλύτερες επιλογές σε μπλοκ ακουαρέλας

DALER ROWNEY

   

  To χαρτί είναι από εκατό της εκατό πολτό ξύλου. Το χαρτί είναι χωρίς οξέα και ανθρακικό ασβέστιο ρυθμισμένο για να αποτρέψει την αλλοίωση του χρώματος με τη πάροδο του χρόνου.

 Ένα πολύ ωραίο μέγεθος και ιδέα καθώς  υπάρχουν στη πίσω μερία κάθε φύλλου τα διακριτικά μιας καρτ ποστάλ και μπορεί ο κάθε καλλιτέχνης να το έχει επάνω του συνεχώς. Και το πρώτο όμορφο τοπίο, που θα του δώσει την έμπνευση που χρειάζεται για απαθανατίσει τη στιγμή, να το στείλει σε αγαπημένα του πρόσωπα είτε είναι κοντά είτε μακριά με δυο λόγια και ένα γραμματόσημο.

 Κάθε φύλλο είναι απαλλαγμένο από οπτικούς λαμπρυντικούς παράγοντες και έχει εσωτερικό και μέγεθος επιφάνειας.

 Το χαρτί ακουαρέλας Aquafine έχει σχεδιαστεί για αρχάριους και φοιτητές, καθώς και για επαγγελματίες καλλιτέχνες που προτιμούν να εργάζονται κυρίως σε «στεγνές» τεχνικές ζωγραφικής με ακουαρέλα. Το βάρος των 300 gsm (140 λίβρες) προσφέρει καλή απορροφητικότητα νερού και η επιφάνεια είναι αρκετά σκληρή παρέχοντας καλή δυνατότητα διαγραφής και είναι κατάλληλο για κάλυψη υγρού χωρίς τέντωμα.

  Διατίθεται σε μπλοκ, μπλοκ σπειράλ, μεμονωμένα φύλλα, καρτ-ποστάλ και καμβά. Καλή δυνατότητα διαγραφής για διόρθωση και καταλληλότητα για κάλυψη υγρών.Αποτρέπει την απώλεια χρώματος και διατηρεί την ακεραιότητα του χαρτιού

   Η επιφάνεια του χαρτιού ακουαρέλας παίζει αναπόσπαστο ρόλο στο φινίρισμα της ζωγραφικής, απαιτώντας φινίρισμα υψηλής ποιότητας και ικανότητα αντοχής σε επαναλαμβανόμενες πλύσεις ενώ ταυτόχρονα κάνει τα χρώματα εκθαμβωτικά. Κάθε μαξιλαράκι ακουαρέλας και χαρτί τέχνης που επιλέγει η Daler-Rowney είναι κατασκευασμένο από πολτό ξύλου ή ίνες βαμβακιού με φινίρισμα χωρίς οξύ για την αποφυγή αποχρωματισμού με την πάροδο του χρόνου. 

ARCHES

  Aυτό το χαρτί είναι ιδανικό για ακουαρέλα , όπως για όλες τις υγρές τεχνικές μελάνι, γκουάς και ακρυλικό και έχει βραβευτεί για τη καλύτερη ποιότητα χαρτιού στο κόσμο.

 Μπορεί κανείς να το βρει σε φύλλα, ρολά, μπλοκ κολλημένα στις 4 πλευρές από 100% βαμβάκι.

 Το βαμβάκι δίνει στο χαρτί ομορφιά, φυσική, λευκότητα που διαρκεί και απαράμιλλη πινελιά καθώς και δύναμη και μακροζωία.

   Υπάρχει σε 3 υφές: ψυχρής έκθλιψης, θερμής έκθλιψης και τραχιάς. Το ARCHES® Aquarelle έχει ομοιόμορφο, φυσικό κόκκο . Η επιλογή της υφής θα εξαρτηθεί από το μέσο που χρησιμοποιεί ο καλλιτέχνης. Κατά γενικό κανόνα, όμως, η υφή είναι θέμα προσωπικής επιλογής του καλλιτέχνη και μέρος της διαδικασίας καλλιτεχνικής δημιουργίας και έκφρασης.

185, 300, 356, 640 και 850 gsm.

Εξαιρετικός όγκος. Μεγάλη ποικιλία gsm που προσφέρουν σε κάθε καλλιτέχνη την ευκαιρία να επιλέξει το χαρτί με τον όγκο που ταιριάζει καλύτερα στην τεχνική του/της. Μόνο το ARCHES® προσφέρει χαρτί τόσο υψηλού γραμμαρίου (850 gsm) για ειδικές εργασίες εξαιρετικά μεγάλου μεγέθους χρησιμοποιώντας τεχνικές ακραίας υγρασίας.

Ειδική σύνθεση

  Μέγεθος μέχρι τον πυρήνα με φυσική ζελατίνη: μια διαδικασία αποκλειστική για το ARCHES®. Η ARCHES® είναι η μόνη χαρτοποιία στον κόσμο που κάνει ζελατίνη στο χαρτί ακουαρέλας της «μέχρι τον πυρήνα». Ακόμα κι αν μουλιάσει για πολλή ώρα, το χαρτί θα διατηρήσει αρκετή ζελατίνη για να μην γίνει πολύ απορροφητικό.

STRATHMORE

 Το χαρτί ακουαρέλας είναι δημοφιλές στους υδατογραφιστές όλων των επιπέδων λόγω των λεπτών και ομοιόμορφων πλύσεων που μπορούν να επιτευχθούν με αυτό το φύλλο . Έχει επίσης μια ισχυρή επιφάνεια που επιτρέπει εφαρμογές ανύψωσης και απόξεσης. Το φυσικό λευκό χρώμα και η παραδοσιακή επιφάνεια ψυχρής έκθλιψης το καθιστούν ιδανικό φύλλο για τον έλεγχο των τεχνικών ακουαρέλας ή για τελειωμένα έργα τέχνης. Το σεντόνι έχει δύο άκρες πλαισίων.

 

Ανακαλύφθηκαν τα πρώτα αποτυπώματα του Ρέμπραντ.

 

  Δακτυλικά αποτυπώματα, που πιστεύεται πως ανήκουν στον Ρέμπραντ, ανακαλύφθηκαν σε έναν μικρό πίνακα ηλικίας σχεδόν 400 ετών.

  Το έργο ονομάζεται «Σπουδή κεφαλής άντρα», έχει ύψος μόλις 25 εκατοστά και τιμή του αναμένεται να ξεπεράσει τα 6,7 εκατομμύρια δολάρια όταν θα δημοπρατηθεί τον επόμενο μήνα στο Λονδίνο. 

   Κάτω από τις αυθεντικές στρώσεις χρώματος, στην χαμηλότερη γωνία του «ισχυρού και δυναμικού» πορτρέτου του 17ου αιώνα, ειδικοί ανακάλυψαν αυτό που πιστεύουν ότι είναι τα δακτυλικά αποτυπώματα του σημαντικού Ολλανδού καλλιτέχνη. 

   Δεν έχουν ανακαλυφθεί ποτέ ξανά αποτυπώματα του «μεγάλου δασκάλου της δυτικής καλλιτεχνικής παράδοσης». 

Τα δύο δακτυλικά αποτυπώματα είχαν κρυφτεί κάτω από υπερβολικά βαμμένα και σκοτεινά στρώματα βερνικιού. Photo Sotheby's

  Παρότι είναι αδύνατο να εξακριβωθεί πως τα αποτυπώματα ανήκουν στον Ρέμπραντ, ο οποίος είναι διάσημος για τα πορτρέτα του και τη χρήση του φωτός και σκιάς, οι ειδικοί πιστεύουν πως πρόκειται «για τα μόνα γνωστά δακτυλικά αποτυπώματα του Ολλανδού δασκάλου».

   Τα αποτυπώματα ανακαλύφθηκαν κατά τη διάρκεια τεχνικού ελέγχου εξέτασης και αποκατάστασης, που συμπεριλάμβανε αναλύσεις χρωστικών και υπέρυθρη απεικόνιση, λίγο πριν το έργο εκτεθεί στις ΗΠΑ και τον Λούβρο, την περίοδο 2011 - 12. 

  Ο Τζωρτζ Γκόρντον, επικεφαλής του τμήματος «Old Master Paintings» του οίκου Sotheby's που θα δημοπρατήσει το έργο την επόμενη εβδομάδα, έκανε λόγο για μια «εξαιρετική ανακάλυψη». 

   «Συχνά βρίσκεις αποτυπώματα στο ζωγραφικό βερνίκι, αλλά δεν είναι κάτι ενδιαφέρον. Αυτό βρίσκεται στην αυθεντική μπογιά. Το γεγονός δείχνει πως ο Ρέμπραντ ήταν χαρούμενος με τον πίνακα πριν στεγνώσει ακόμα. Τον ζωγράφισε πολύ γρήγορα.»

   Όταν ρωτήθηκε πώς γίνεται οι ειδικοί να είναι σίγουροι πως τα αποτυπώματα ανήκουν στον Ρέμπραντ, απάντησε: «Δεν μπορούμε να είμαστε 100% σίγουροι. Αλλά είναι σίγουρο πως άνηκαν σε κάποιον που άγγιξε τον πίνακα μόλις τελείωσε.»

 «Παρότι απ' όσα γνωρίζουμε δεν υπάρχουν αλλά αποτυπώματα του Ρέμπραντ για να κάνουμε σύγκριση ώστε να επιβεβαιώσουν το συμπέρασμα, η ανακάλυψη των σημαδιών στις αυθεντικές στρώσεις του πίνακα ... καθιστούν τη σύνδεσή τους με τον καλλιτέχνη ιδιαίτερα αξιόπιστη.»

   Δήλωσε πως το πορτρέτο, που χρονολογείται περίπου το 1655, έχει «πνευματικό και συναισθηματικό αντίκτυπο». «Ξέρουμε πως δούλεψε πραγματικά γρήγορα και μπορείτε να το δείτε και να το νιώσετε σε αυτόν τον πίνακα.»

  Παράλληλα ο Τζωρτζ Γκόρντον μίλησε για τα χοντρά στρώματα μπογιάς που χρησιμοποιούσε ο Ρέμπραντ και εκτίμησε πως το έργο έχει συντηρηθεί άριστα. 

  «Υποπτεύομαι πως οι άνθρωποι τώρα θα ψάξουν για αποτυπώματα και σε άλλα έργα», πρόσθεσε. 

  Ο Μικέλ φαν ντε Λαρ, συντηρητής στο Άμστερνταμ που βοήθησε στην καθοδήγηση της έρευνας είπε πως το έργο ολοκληρώθηκε σε ένα ποζάρισμα. 

   «Η ανακάλυψη των αποτυπωμάτων είναι ένα επιπλέον κριτήριο για την ταχύτητα με την οποία το έργο πιθανότατα να ολοκληρώθηκε και μας παρέχει με νέα στοιχεία για τη σύνθετη αλλά ταχεία τεχνική ζωγραφικής του Ρέμπραντ.»

  Το έργο απεικονίζει το μοντέλο του ζωγράφου ως τον Ιησού, με τα χέρια του σε στάση προσευχής και έχει επαινεθεί για την ικανότητα του Ρέμπραντ να αποδίδει ανθρώπινα συναισθήματα. Περιγράφεται από τον οίκο δημοπρασιών ως "συγκινητική απεικόνιση του Χριστού", κρεμόταν στο σπίτι του Ρέμπραντ στο Άμστερνταμ. 

Πηγές

Lifo

Cnn

Ανακαλύφθηκε πίνακας του Ρέμπραντ

 

O πίνακας «Αφήστε τα παιδιά να έρθουν κοντά μου» επιβεβαιώθηκε πως ανήκει στον Ρέμπραντ

  O έμπορος έργων τέχνης Γιαν Σιξ ανακάλυψε πως ένα πίνακας που αποδίδονταν ως έργο κάποιου «Ολλανδικού Εργαστηρίου» είναι στην πραγματικότητα έργο του Ρέμπραντ. 

   Ο Σιξ εντόπισε τον πίνακα με τίτλο «Αφήστε τα παιδιά να έρθουν κοντά μου» σε οίκο δημοπρασιών της Γερμανίας το 2014. Πριν την δημοπρασία η εκτίμηση για την αξία του πίνακα ήταν 15.000-20.000 ευρώ. Τελικά ο Σιξ και ένας επενδυτής αγόρασαν τον πίνακα προς 1,5 εκατ. ευρώ. 

  Πρόκειται για τη δεύτερη φορά που ο Σιξ έρχεται στη δημοσιότητα σε σχέση με έργα του Ρέμπραντ. Το 2016 είχε αγοράσει τον ανυπόγραφο πίνακα του 17ου αιώνα «Πορτρέτο νέου άνδρα» από τον οίκο Christie's για 137.000 στερλίνες. Τον περασμένο Μάιο ο μελετητής του Ρέμπραντ Ερνστ Βαν Ντε Βέτερινγκ ανακοίνωσε πως ο συγκεκριμένος πίνακας είναι έργο του μεγάλου Ολλανδού ζωγράφου.

Το «πορτρέτο νέου άντρα» αγοράστηκε από τον Ολλανδό έμπορο το 2016 από τον οίκο Christies's

   Πρόκειται για τη δεύτερη φορά που ο Σιξ έρχεται στη δημοσιότητα σε σχέση με έργα του Ρέμπραντ. Το 2016 είχε αγοράσει τον ανυπόγραφο πίνακα του 17ου αιώνα «Πορτρέτο νέου άνδρα» από τον οίκο Christie's για 137.000 στερλίνες. Τον περασμένο Μάιο ο μελετητής του Ρέμπραντ Ερνστ Βαν Ντε Βέτερινγκ ανακοίνωσε πως ο συγκεκριμένος πίνακας είναι έργο του μεγάλου Ολλανδού ζωγράφου.

  Το «πορτρέτο νέου άντρα» αγοράστηκε από τον Ολλανδό έμπορο το 2016 από τον οίκο Christies's

  Ο Σιξ λέει πως κατάλαβε πως ο πιο πρόσφατα αγορασμένος πίνακας είναι έργο του Ρέμπραντ, όταν εντόπισε ένα πρόσωπο στο πίσω μέρος του πίνακα, που έμοιαζε με τον ζωγράφο σε νεαρή ηλικία. «Κοιτώντας μια μεγαλύτερη εικόνα του πίνακα στον κατάλογο της δημοπρασίας στο Διαδίκτυο διαπίστωσα πως ο νεαρός στο πίσω μέρος του πίνακα είναι ολόιδιος ο Ρέμπραντ σε νεαρή ηλικία. Ο Ρέμπραντ δεν ήταν διάσημος τότε, άρα ο μόνος που θα έβαζε τον Ρέμπραντ σε ένα πίνακα, θα ήταν ο ίδιος ο καλλιτέχνης» λέει ο Σιξ που επισημαίνει πως αυτό ήταν κάτι που ο Ρέμπραντ συνήθιζε να κάνει σε πολλούς πίνακες.

  Οι ειδικοί μελετητές του έργου του Ρέμπραντ Ερνστ Βαν Ντε Βετερινγκ και Μπομπ Βαν Ντε Μπουγκερτ συμφώνησαν με τον έμπορο τέχνης, ενώ τους ισχυρισμούς του επιβεβαίωσε και η ακτινολογική έρευνα. 

 Μάλιστα η τεχνολογική ανάλυση αποκάλυψε πως ο πίνακας έχει ουσιαστικά ξαναζωγραφιστεί από πάνω με αδεξιότητα και πάνω από 4 χρόνια μετά την αγορά του οι ειδικοί προσπαθούν ακόμα να τον αποκαταστήσουν. 

Πηγές

 

  news.artnet.com

Έργο του Βαν Γκογκ θα εμφανιστεί δημόσια για πρώτη φορά από τότε που δημιουργήθηκε.

Φωτογραφία: WestImage - Art Digital Studio/Sotheby’s. Πηγή: The Guardian

  Το έργο του Βίνσεντ Βαν Γκογκ «Scène de rue à Montmartre», είναι μια βουτιά στον χρόνο και σε μια συναρπαστική, ξεχωριστή ατμόσφαιρα και μέρη που δεν υπάρχουν πια.

   Ένα σημαντικό έργο του Βίνσεντ βαν Γκογκ, το οποίο ανήκει στην ιδιωτική συλλογή της ίδιας οικογένειας από τη Γαλλία για περισσότερο από έναν αιώνα, πρόκειται να εμφανιστεί δημόσια για πρώτη φορά από τότε που ζωγραφίστηκε, την άνοιξη του 1887, έναν χρόνο πριν ο Ολλανδός ζωγράφος φύγει από το Παρίσι για την Αρλ.

   Το έργο Scène de rue à Montmartre (Impasse des Deux Frères et le Moulin à Poivre) είναι μέρος μιας πολύ σπάνιας σειράς που απεικονίζει το περίφημο Moulin de la Galette, στην κορυφή του λόφου της Μονμάρτρης με θέα το Παρίσι.

   Ο Βαν Γκογκ την άνοιξη του 1886 επισκέφθηκε το Παρίσι και εκεί έζησε με τον αδελφό του –επιτυχημένο έμπορο τέχνης–, στην περιοχή της Μονμάρτρης, που ήταν το καλλιτεχνικό κέντρο του Παρισιού στα τέλη του 19ου αιώνα.

  Κατά την παραμονή του εκεί ήρθε σε επαφή με τους ιμπρεσιονιστές ζωγράφους Εντγκάρ Ντεγκά, Καμίλ Πισαρό, Πολ Γκογκέν και Τουλούζ Λοτρέκ, που τον επηρέασαν σημαντικά, ειδικά στη χρήση του χρώματος. Εκεί ξεκίνησε να αναπτύσσει και το δικό του προσωπικό ύφος και να εφαρμόζει τις δικές του τεχνικές.

 Οι μελετητές θεωρούν το έργο σημαντικό γιατί αντικατοπτρίζει τη μετάβαση του Βαν Γκογκ σε μια νέα περίοδο, κατά την οποία εγκαταλείπει τα σκοτεινά έργα.

  Το συγκεκριμένο έργο αποκτήθηκε από έναν Γάλλο συλλέκτη το 1920, έχει παραμείνει στην ίδια οικογένεια από τότε και δεν έχει εμφανιστεί ποτέ στο κοινό, παρά το γεγονός ότι αναφέρεται σε επτά καταλόγους έργων του ζωγράφου.

   Οι Σόθμπις και ο γαλλικός οίκος δημοπρασιών Μιραμπό Μερσιέ, που πωλούν το έργο στη βραδιά Ιμπρεσιονιστών και Μοντέρνας Τέχνης στις 25 Μαρτίου στο Παρίσι, αναφέρουν ότι «πολύ λίγοι πίνακες του Βαν Γκογκ από την εποχή της Μονμάρτρης παραμένουν σε ιδιωτικά χέρια, οι περισσότεροι από αυτούς βρίσκονται στα πιο διάσημα μουσεία του κόσμου. Η παρουσίαση στην αγορά ενός πίνακα από αυτήν την εμβληματική σειρά θα είναι αναμφίβολα ένα σημαντικό γεγονός για τους συλλέκτες του Βαν Γκογκ και γενικά για την αγορά τέχνης».

   Οι μελετητές θεωρούν το έργο σημαντικό γιατί, επιπλέον, αντικατοπτρίζει την μετάβαση του Βαν Γκογκ σε μια νέα περίοδο κατά την οποία εγκαταλείπει τα σκοτεινά έργα. Είναι ακριβώς η στιγμή που το χρώμα εμφανίστηκε για πρώτη φορά, σε όλη του τη λάμψη, στο έργο του. Η σκηνή του δρόμου στη Μονμάρτρη είναι μια αξιοσημείωτη μαρτυρία για μια κρίσιμη εποχή στο έργο ενός από τους μεγαλύτερους δασκάλους της σύγχρονης τέχνης.

   Στο έργο, ο Βαν Γκογκ επιλέγει να απεικονίσει ένα από τα πιο διάσημα μέρη του Butte Montmartre: το Pepper Mill, γνωστό επίσης ως «Moulin Debray», που βρίσκεται μέσα στους χώρους του Moulin de la Galette.

   Η Μονμάρτρη, γνωστή τότε ως La Butte, μεταμορφώθηκε γρήγορα από το αγροτικό χωριό που ήταν σε μια συνοικία διασκέδασης, ενώ το μέρος που ζωγράφισε ο Βαν Γκογκ καταστράφηκε κατά την κατασκευή της Λεωφόρου Junot το 1911.

  Ο μύλος απεικονίζεται εδώ από το Impasse des Deux Frères (Το αδιέξοδο των δυο αδερφιών), με την είσοδο στον περίβολο του Moulin de la Galette να περιβάλλεται από διακοσμητικά φανάρια και ένα καρουσέλ ορατό αριστερά, πίσω από τον ξύλινο φράχτη.

 Η περιοχή των μύλων που είχαν σταματήσει να λειτουργούν είχε γίνει τόπος αναψυχής των Παριζιάνων που έφταναν σε εκείνο το εξοχικό μέρος για να πιουν και να χορέψουν και μια επισήμανση για το πως απεικόνισαν το μέρος οι διάσημοι κάτοικοί του. Είναι το ίδιο μέρος που μέχρι σήμερα θα παραμείνει μυθικό και θα εμπνεύσει πολλές γενιές καλλιτεχνών.

Πηγές 

Τhe Guardian